Artiste Edward Mane

Artiste Edouard Mane

L'artiste Edouard Mane est considéré comme le père de l'art moderne. Le changement significatif dans Mana est le changement de forme qui a détourné l'attention du sujet du dessin animé. En savoir plus sur lui

L'artiste Edouard Manet (1832-1883), peintre français, connu comme l'un des artistes les plus controversés de son temps, a subi de nombreuses critiques avant de se hisser au sommet du succès et de devenir le père de l'impressionnisme. Avec plusieurs tableaux qui ont inspiré les jeunes artistes de l'époque, il a révélé comment l'innovation n'est pas toujours bien accueillie par la société, mais ouvre une porte vers l'avenir. 

Dans cette période du milieu du 19e siècle, il n'y avait pas de galeries, de musées, etc., l'événement principal de l'art était l'exposition au «Salon». Le Salon était (et est toujours) la grande salle centrale du Palais du Louvre, où se tenaient des expositions tous les un ou deux ans avec un jury d'artistes qui recevait les œuvres que d'autres voulaient exposer et décidait qui exposerait ou non. C'était presque le seul moyen pour l'artiste de présenter et de vendre ses œuvres, donc l'acceptation ou le refus d'être accepté dans le salon était critique pour l'artiste.

Artiste Edouard Mane
Edouard Manet, 1863, "Olympia", huile sur toile, 130x190 cm

"Olympia" est le nom de la femme. Un nom très répandu en France au 19ème siècle. Lorsque ce tableau a été montré pour la première fois dans le salon, il y a eu une agitation, une critique très négative. Il fallait éviter que l'œuvre ne soit déchirée. Les critiques ont déclaré que l'expression de la femme était un vieillissement prématuré, que la décomposition de son corps rappelait une morgue, qu'elle était une Vénus hottentotienne (une tribu africaine), une autre a déclaré qu'elle était une prostituée décédée de la jaunisse et que son corps était dans un état de décomposition avancée, sinon le visage était idiot et n'avait pas de forme humaine. Le titre récurrent est celui d'un corps pourri et sale et qu'elle est une prostituée et laide.

De quoi parle la rage ? De quoi s'agit-il? Pourquoi a-t-elle suscité tant d'opposition ? La raison principale est qu'ils n'étaient pas au courant à XNUMX%, la diatribe ne venait pas de considérations rationnelles, l'objection était parce qu'elle était très différente de ce que les critiques connaissaient. Cette peinture s'écarte de la tradition.

La description de la nudité féminine par l'artiste Edouard Manet ne correspond pas aux attentes de l'époque par rapport à la description de la femme dans le modèle de Vénus, tant au niveau du nom de l'œuvre que du point de vue de la structure corporelle. Par exemple, la même année, un tableau d'Alexandra Cabanel est exposé. Vénus est une figure mythologique. Les dessins de femmes nues s'appellent Vénus car c'est un fantasme de femme. Mana a appelé sa peinture "Olympia", un nom commun pour les femmes au 19ème siècle, dans une certaine mesure un nom commun pour les prostituées. Le modèle selon lequel Mana a peint était une femme bien connue, qui lui a servi de modèle dans certaines peintures et aussi pour d'autres artistes. La structure du corps d'Olympia était également différente car elle était plus mince que le corps entier dans la figure de Vénus.

Un autre exemple d'œuvre d'une femme nue broutant qui a été acceptée comme œuvre de Mopa est celle de Vénus. Ici aussi, la femme est plus pleine. Elle expose ses aisselles et elle a des jambes.

Dans la peinture d'Angers, l'Odélisque, l'épouse du harem, est une femme qui n'est pas de chair et de sang mais un fantasme. Le fantasme du harem (le harem est une aile du palais servant à abriter les épouses et concubines du roi). Dans cette peinture également, la peau est douce et le maximum d'attention est porté à toutes les textures d'Angers. Angers a conservé une beauté idéale. La beauté d'une femme est selon le canon de ce qu'est une belle femme. Une belle femme au 19ème siècle est une femme avec un pont nasal droit (en ligne droite avec le front) et un visage ovale. En revanche, "Olympia" ne répond pas à ces exigences de beauté.

En termes de rapport entre le fond (le support) et la figure, à Angers l'odalisque touche les bords de la toile, elle remplit toute la toile, tandis que chez Manet, Olympia est petite par rapport à la taille du support.

La figure de Vénus dans le Titien, la position du corps est la plus proche de celle d'Olympie. Elle repose sur son bras avec les jambes croisées. On retrouve chez Titien la coutume selon laquelle la femme remplit tout le tissu. La lumière est douce, agréable jaunâtre, les transitions entre l'obscurité et la lumière, la transition est douce et progressive. Il existe plusieurs plans pour la peinture. La première où elle repose la deuxième pièce qui s'ouvre à l'envers et la troisième, au-delà de la fenêtre. Dans Mana, en revanche, la transition entre l'obscurité et la lumière n'est pas progressive. Elle a vraiment l'air coincée et ressemble à un corps immobile et dur (pas seulement en train de dire son corps). Mana n'a pas de plaines, il y a un mur derrière. D'une part, Olympie est dans la position habituelle et Mana se réfère en effet consciemment à la peinture de Titien. Ce tableau était sous ses yeux, mais Olympia est plus petit et se perd dans la toile, comparé aux tableaux auxquels ils étaient habitués. La position de la tête d'Olympin est droite par rapport à l'inclinaison latérale qui était familière. La main de Vénus qu'elle invite implique qu'elle aime et veut que vous veniez. La main d'Olympia signifie qu'elle n'est prête que si elle est payée.

Changements par rapport à la période habituelle :
♦ Taille de la figure
♦ Transitions nettes
♦ Une lumière forte qui vient également de face (dans la peinture occidentale pendant 500 ans, il était courant que la lumière provienne du coin supérieur gauche).
♦ Très sectionnée, elle a une corde au cou qui lui coupe le cou. Le corps n'est pas complet.
♦ A un contour sombre.
♦ Allongé sur un lit beaucoup plus haut que d'habitude.

Les gens qui visitaient le salon étaient des gens qui connaissaient l'art, cela les dérangeait que la femme ne soit pas une femme fantastique mais une prostituée. Une femme bien connue qui était connue dans le monde de l'art de la fin du 19e siècle. En outre, la question de la classe - à quelle classe appartient-elle? D'une part, elle est une prostituée, d'autre part, elle a une femme de chambre. Alors, où se situe-t-elle sur l'échelle sociale? Où elle se tient même sur l'échelle des prostituées. Si les semelles de ses chaussures sont sales, elle marche probablement dans la rue et vend son corps dans la rue, une telle prostituée n'a pas de femme de chambre. L'ambiguïté de la classe, la possibilité que cette femme ne soit pas une personne bienveillante qui vend son corps parce qu'elle y a été contrainte pour des raisons sociales.

L'essor du commerce, de la société urbaine, de l'économie de marché. Si les visiteurs n'étaient gênés que par les changements de forme, ils diraient que la peinture n'est tout simplement pas bonne. Mais ils étaient sur le marché, la rage était causée par les choses sociales: classe, prostitution, économie de marché, la prostitution était un grave problème à Paris à la fin du XIXe siècle.Les hommes avaient toutes sortes d'idées et une chose était qu'ils comparaient le système d'égouts de la ville et des gens. Voulait trouver des moyens de savoir si une femme avait une relation avec un ou dix hommes (les penseurs de cette idée étaient des hommes).

L'intérêt social était si troublant que l'écrivain Emil Zola, un ami de Mana qui a écrit et publié en 1867 un livre intitulé l'œuvre et Zola écrit sur Mana en tant qu'artiste important de la fin du 19ème siècle et écrit que pour Mana le sujet n'est pas important. Il ignore le fait qu'il s'agit d'Olympie et non de Vénus. Il a dit que les peintres et surtout Mana ne partagent pas l'obsession des masses pour le sujet. Pour l'artiste, le sujet n'a pas d'importance. Ce qui est important pour l'artiste, c'est la peinture elle-même.

"Les peintres, et en particulier Édouard Manet... ne partagent pas l'obsession des masses pour le sujet : pour eux, le sujet n'est qu'un prétexte à peindre, alors que pour les masses seul le sujet existe." 

- Émile Zola, 1867

Deux choses de base:
1 . En effet la forme du tableau est si frappante, l'innovation de la manière de peindre est si importante et fondamentale qu'elle détourne effectivement l'attention du sujet.
2. Le concept, l'idée que l'art moderne à partir de Manet s'occupe de lui-même (comme le disait Zola à propos de la peinture de Manet) il ne s'occupe pas d'un problème social, L'art moderne est un art autonome.

L'art a toujours un thème. L'artiste dit quelque chose. Dans ce cas avec Mane, le changement très significatif est un changement de forme qui a détourné l'attention du sujet. Il n'y a pas d'art sans sens.

Une autre œuvre bien connue de l'artiste Edouard Manet est "Dîner sur l'herbe":

Art moderne
Édouard Manet, 1863, "Le déjeuner sur l'herbe (Le Déjeuner sur l'herbe)", huile sur toile, 208x264 cm

Cette peinture a également provoqué un tollé. La femme du tableau nous regarde directement. Dans ce cas aussi, comme à Olympie, Mane se réfère à l'art devant lui. Manet se réfère à l'art qui l'a précédé en termes de composition et de poses.

Il était immédiatement clair que l'organisation des figures avait été reprise de cette pièce par un artiste de la Renaissance qui a réalisé une estampe basée sur la peinture de Raphaël (en bas à droite).

Ici aussi il y a des femmes nues mais elles ne nous regardent pas directement. De plus, la lumière est différente, la douce lumière du Titien versus l'éblouissement de Mana. Dans Titien, la source lumineuse est en haut à gauche. Et dans la peinture de Mana, la lumière vient du haut à gauche mais aussi de l'avant. La figurine à l'arrière est surdimensionnée et la lumière est dirigée vers elle.

Que signifie le feu avant? Notre vision d'Olympie nous est adressée, c'est nous qui y apparaissons sans y être invités. Cela se produit également avec un repas sur l'herbe. Mana dévie et change la relation entre le spectateur et l'image. Lorsque Mana présente le repas sur l'herbe, un autre argument contre lui est qu'il n'a pas d'imagination et qu'il prend des œuvres du musée et copie leur composition.

Ce qui a exaspéré les critiques, c'est le départ de Mana de la tradition de la peinture. Le fait que le modèle de Mana (le même modèle qui l'a utilisé à Olympie) regarde le spectateur. Les valeurs de la peinture en tant que peinture - ce n'est pas une peau délicate et douce mais une lumière dure qui ne provient pas d'une seule source, mais à la fois à gauche et à l'avant. De plus, la relation entre les personnages est incorrecte en termes de peinture conventionnelle. Le dessin doit être à deux et demi sur les axes X et Y afin que le peintre puisse trouver la position de chaque figure par rapport à l'autre. Dans cette peinture, ils ont utilisé un outil - peindre des carreaux sur le sol. Les tuiles de deux ans et demi permettaient de placer les personnages les uns par rapport aux autres. Le chiffre de droite dans la robe orange est le plus grand - car il est le plus proche de nous. Le spectateur est l'échelle.

Dans cette peinture, le substrat a disparu. Le peintre nous donne l'illusion d'un espace profond d'une cathédrale. Vous pouvez voir les tailles des pages - comment elles deviennent plus petites à mesure qu'elles s'éloignent. C'était la convention de la peinture du XVe siècle. Une peinture dans laquelle le substrat n'existe supposément plus et le rapport hauteur / largeur, et la question de la couleur - la couleur devient également forte et l'intensité diminue (dans le premier plan) à mesure que la scène s'éloigne, la couleur devient moins forte.

Chez Jacques Louis David, les personnages sont petits lorsqu'ils s'éloignent, et il y a à la fois un verre et une soirée sur le sol. La cheminée dans le premier plan est plus grande que la cheminée dans le plan arrière. Et le groupe de femmes sur la droite - les femmes avant sont plus grandes que les arrière. Pour Mana, la silhouette arrière aurait dû être plus grande, elle n'est pas si loin d'eux. Chez David, la lumière vient d'un point en haut à gauche. Et il ne vient que légèrement vers l'autre femme, avec le manteau sombre. La lumière provient d'une source par rapport à la peinture de Mana.

La peinture de David est basée sur un texte. Tout tableau, à l'exception d'un paysage ou d'une nature morte, était basé sur un texte, c'est-à-dire une histoire qui existait auparavant et était connue du grand public. Il y avait une hiérarchie des textes qui était plus importante et qui était moins importante.
1 . Écrits sacrés
2. Mythologie
3. Histoire
4. La littérature
5. Portraits
6. Nature, paysage
sept. inanimé
8. animaux (ne dessinez pas d'animaux)

Si tel est le cas, une hiérarchie constante des sujets. Toutes les peintures et même lorsque la peinture est encore, la peinture devient une sorte de sens. Les objets qu'ils dessinaient venaient enseigner quelque chose. Dans ce cas, David peint une histoire historique de l'histoire de la Rome antique. A un message didactique éducatif. La Rome antique était en guerre avec Alba. La dispute portait sur le territoire et les habitants de Rome et d'Alba ont décidé qu'au lieu que tout le monde se batte, trois frères de Rome - les fils d'Horace - partiraient. Et Malba - les trois fils des lecteurs. Et les trois se battront et les trois s'approcheront, au lieu de verser beaucoup de sang. David décrit le moment où les fils d'Horace prêtent allégeance à leur père et donc à Rome. Ils sont fidèles à leur père, à leur patrie, ils obéissent à leur père et protègent la patrie. David éduque l'obéissance, la dévotion, le don de soi. Un sujet didactique, certainement pour David à l'époque - les femmes qui pleurent.

Artiste Edouard Mane
Édouard Manet, 1868-1869, "Le Balcon", huile sur toile, 170x124 cm

La peinture de Manet s'inspire dans une certaine mesure de la peinture de Francisco Goya. Le balcon et les femmes sur le balcon ont le même thème.

Mana a des transitions très nettes entre la lumière et l'obscurité. A Goya, les transitions sont très progressives. Dans les deux tableaux, les personnages se tiennent à travers la balustrade. À Goya, la balustrade est de la couleur de l'ensemble du tableau, elle n'est pas visible. Pour Mana, c'est le vert qui divise l'image presque en deux. Les volets verts ouverts qui encadrent l'image. Mana met en valeur les cadres intérieurs, il met en valeur la toile du tableau, le substrat. Les lignes horizontales du balcon répètent les bords de haut en bas tandis que les tiges verticales comme les volets répètent les bords verticaux du tissu.

Olympia - il n'y a pas d'espace profond, derrière le mur. Non seulement cela, au centre passe une bande de couleur plus claire qui souligne l'être du substrat. La peinture de Mana fait référence au musée dans deux sens du musée:
1 . S'inspire des peintures du musée. Fait référence à la tradition de la peinture en composition.
2. Se réfère au musée à un autre niveau essentiel - étudier les peintures du musée pour aller à l'encontre des conventions de la peinture.
La tradition de la peinture est de raconter une histoire, un texte. Mana n'a pas de texte. La tradition de la peinture est le fait que la toile ne semble pas exister. Dans la peinture du balcon et dans la peinture d'Olympie, il met l'accent sur le substrat. Il souligne que c'est une peinture

Pour Mana, c'est un mur à l'arrière du tableau qui est le substrat du tableau. Comparé à une peinture d'un non-juif qui a le même sujet - l'exécution. Goya puise dans l'histoire de l'Espagne - la conquête de Napoléon. En 1808, les opposants à l'occupation sont exécutés. Goya peint cela le matin entre l'obscurité et la lumière dans un éclairage dramatique. Toutes les armes sont pointées sur lui et à côté de lui il y a déjà des corps et à l'horizon après la montagne il y a des bâtiments. Mana a un groupe de soldats soldats dont les fusils pleurent en fait le bourreau, c'est dans une lumière vive et derrière les silhouettes brunes, au-dessus desquelles les gens regardent. Il raconte une histoire vraie. En 1968, il y avait déjà la photographie. Mana dessine d'après les photographies de la presse. Le modernisme commence par la référence au musée - la violation des règles habituelles dans la peinture exposée dans le musée. On le voit dans la seconde moitié du 20e siècle. Une fois de plus il y a un tournant de principe et important dans l'art occidental, il y aura encore une fois une référence importante au musée. Le musée où sont préservées les valeurs des cultures, l'art du monde occidental. Il n'y a pas de musée avant l'ère moderne. Les musées commencent au début du 19e siècle légèrement au cours du 18e siècle. Cataloguer les œuvres et publier des expositions. Et ouvert au grand public. Le musée est une institution importante et occupe une place centrale dans l'histoire de l'art moderne.

Bien que Mana ne dessine pas de textes, ce n'est pas vrai à cent pour cent. Il peint un tableau religieux lorsqu'il peint le Jésus mort. Mais les femmes remarquent une différence drastique entre la peinture de Mana et El Greco. El Greco peint comme d'habitude dans les peintures funéraires. Le comte prend le corps du Christ. D'en haut Maria - vêtue d'une robe rouge et d'une robe bleue. À droite, c'est Jean-Baptiste qui le reconnaît comme un contreplaqué négligé. Voir l'évêque qui tient les clés.

La fumée est l'âme du comte que Jésus reçoit. Pour Mana, c'est un corps, Jésus est un corps pourrissant. À côté de lui se trouvent des anges qui ressemblent à de la chair et du sang. Et pas seulement cela, mais Mana s'est égaré et les stigmates il les a dessinés sur la gauche au lieu de la droite. Il a été réprimandé mais il n'a pas corrigé. Autrement dit, même au temps de Mana, la mort est présentée comme un fait. D'où le surnom de réalisme. La référence à la mort et aux anges en chair et en os.

Édouard Manet, 1862, "Música en las Tullerías", huile sur toile, 76x118 cm

Les artistes impressionnistes s'intéressaient à la peinture pendant leurs loisirs. Mana a aussi de la musique à Tulare, un jardin près du Louvre.

Il y avait des spectacles de musique là-bas. Mana attire tous ses amis marchant dans le jardin, errant. Tous les hommes sont habillés de la même manière. Le matin, ils portent des pantalons légers et un manteau à queue et un chapeau haut de forme. Ce tableau est avant Olympie. Il y a un mur de gens ici qui remplit toute la toile. Les troncs du bois rythment la peinture si clairement et se répètent sur les bords de la toile. Les têtes du peuple reviennent à l'horizontale du tissu. Mana renvoie à l'être même de la toile, au fait même que cette œuvre est une peinture sur toile. Les figures sont coupées ici aussi (comme chez Degas) aussi le bord du parasol, le dos… une sorte de cliché. Ne définissez pas les personnages pour dessiner mais dessinez le moment. Vous pouvez clairement voir les coups de pinceau. Sur le devant de la peinture au premier niveau, vous pouvez voir les coups de pinceau rugueux. Peint par le poète Charles Baudelaire. Il parle du vagabond (une des choses importantes au 19e siècle).

Artiste Edouard Mane
Édouard Manet, 1874, "Le bal à l'opéra", huile sur toile, 59x72 cm

Une autre œuvre de l'artiste Edouard Mane - "Le bal à l'opéra". Travail ultérieur. Il y a des gens ici qui remplissent tout le côté droit de la toile. Ils parallèles seuls, une sorte de mur de personnes. Encore une fois, vous voyez des colonnes verticales répétant le bord. Et le bord du porche qui répète la ligne horizontale. Si c'était une fois, il n'était pas possible de tirer une conclusion, mais cette façon est répétée encore et encore. Nous l'avons vu lors d'exécutions, à Olympie, à Tulari, sur le porche, etc. C'est intentionnel, même inconscient. Mana regarde son travail au musée, se réfère à des œuvres passées et veut mettre en valeur la peinture elle-même. A part ça, c'est encore un bal à l'opéra. Encore une fois les amis de Mana et parce que c'est à l'opéra, le pantalon est noir mais avec le même manteau et le même chapeau haut de forme. Il y a plus d'hommes et ils sont tous habillés de la même façon (uniforme du XIXe siècle). Les femmes ont des masques. Ils sont également vêtus principalement de noir et les femmes flirtent avec les hommes. Les femmes de l'époque l'appelaient le marché de la viande. Quand Mana peint les femmes qui peuvent être achetées, il renvoie comme à Olympie aux classes, à l'échange, à la société bourgeoise naissante où tout est égal à l'argent, même la femme. Mais d'un autre côté, Mana fait partie du même public. Il peint la réalité telle qu'il la voit chez ses amis. Il le répète.

Édouard Manet, 1882, "Un bar aux Folies Bergère", huile sur toile, 92x128 cm

Polly Berger est un café-concert qui propose des spectacles. Était très populaire au 19ème siècle et existe à ce jour. L'une des attractions était bien sûr les femmes du spectacle qui étaient très peu habillées. L'artiste Edouard Mane peint le bar. Les femmes qui vendaient au bar ont également été capturées comme faisant partie de la marchandise. Ils ne vendaient pas seulement des boissons, il était entendu dans une certaine mesure, comme dans de nombreux bars à ce jour, que les hôtes ne vendaient pas que des boissons. Donc aussi dans ce cas. Multiplicité de lignes horizontales et verticales. Ces cercles blancs sont des lampes et déjà des lampes électriques. Lampes qui étaient sur les piliers. Il y a un grand lustre dont on peut supposer qu'il fonctionne toujours au gaz. On voit la vendeuse debout devant le comptoir qui a des bouteilles, un verre avec des fleurs, des oranges ou des mandarines et plus de bouteilles. Immédiatement derrière la femme regarde très près d'elle, il y a un miroir. On voit le cadre doré du miroir et le comptoir se reflète dans le miroir. Le reflet n'a pas de sens puisque la bouteille rouge dessus porte la signature mana, elle est écrite sur la bouteille "Mana 1882" La bouteille de bière est en ligne droite avec la bouteille de vin et dans le reflet elle se trouve devant la bouteille de vin. Et le miroir reflète le hall devant lequel se tient la vendeuse. Tout cela est le reflet de tout le monde. Le vendeur se tient visuellement et son reflet est étrange. D'une part elle se tient près du miroir et donc on ne verrait pas grand-chose de son reflet, visuellement elle se tient debout et en réflexion elle est penchée, l'homme était censé se cacher de nous. Mana insiste sur le fait que c'est une peinture et ne reflète pas nécessairement la réalité. Le tableau n'est plus un reflet fidèle de la réalité, le tableau est une structure en soi. Certes, la réflexion n'a pas de sens mais ce n'est pas grave car Mana ne veut pas dessiner exactement. C'est une peinture et dans la peinture il y a une toile, des lignes horizontales qui répètent les bords de la toile, des lignes verticales. Il s'agit d'une construction-construction d'un tableau.

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