Analyse du processus créatif de l'artiste Marc Chagall

autobiographie. Marc Chagall (1887-1985), est né dans le village de Lyozno, près de Vitebsk, en Biélorussie. Le fils aîné de neuf enfants nés de Hatzkel Chagall et Paige-Ita, une famille juive hassidique. En 1906, Chagall commence à étudier la peinture à Vitebsk et les poursuit pendant trois ans à Saint-Pétersbourg. À partir de 1910, il séjourne quatre ans à Paris et revient à Wittesbeck via Berlin, où il réalise une exposition personnelle (Wolf, 2019). En 1915, Chagall épousa Bella Rosenfeld et ils s'installèrent à Saint-Pétersbourg jusqu'en 1923, date à laquelle il s'installa avec sa femme et sa fille Ida en France. Durant cette période en Russie, Chagall était directeur des arts à Vitebsk, fonda et dirigea une école d'art et, en 1920, il se retira de son poste et peignit sur les murs et le plafond du théâtre russe et prépara des décors pour des représentations là-bas (Mullen, 1969). En 1922, il écrit son autobiographie « Ma vie » (Chagall, 1951).

En France, il illustre des livres et réalise des gravures pour la Bible. En 1941, Chagall quitte la France à cause de la guerre et immigre à New York. En 44, sa femme Bella meurt. En 47, il commence la lithographie en couleurs et un an plus tard, il Il rentre à Paris. En 50, il commence la poterie et en 51, il réalise ses premières sculptures. En 52, il épouse Valentin (Va) Brodsky et continue à peindre, mais dans un style plus lyrique et abstrait, avec des couleurs plus mélancoliques. et des sujets. Chagall a eu de grandes réalisations dans son art au cours de sa vie. En 57, il commença des travaux de mosaïque, et en 60, il commença des vitraux pour Metz et Jérusalem. En 63, il peignit le plafond de l'Opéra de Paris, et en 66, il peint les murs de l'Arts Center de New York (Mulan, 1969).

Bien que Chagall considérait sa peinture comme orientale, qui n'appartient pas à un certain mouvement artistique (Mulan, 1969), il est possible de trouver dans son style artistique des combinaisons d'éléments visuels du style du cubisme, de l'impressionnisme, du fauvisme, du primitivisme, Symbolisme et surréalisme. Chagall a créé avec une large gamme de matériaux, peinture à l'huile, gouache, aquarelles, sculptures en céramique, peintures murales et vitraux (Mulan, 1969 ; Wolf, 2019). Chagall a observé le monde dans ce qu'il appelle lui-même « la lumière de la liberté », qui peut être visualisée aux couleurs de l'amour. Selon lui, il est possible de tout transformer en peinture si l’on parle le langage de l’amour (Sherway Academy Arts & Sciences, 2017). Chagall utilise deux mots du monde vivant qui lui permettent de décrire ses œuvres : « « broderie » comme terme désignant tout ce qui peut faire ressembler le tableau à une chair vivante en termes de couleur, de lumière et de matière. « Chimie » fait référence à la même chose, mais pas à la collection finie des petites structures mais au processus de leur création » (Mulan, 1969, p. 25). Autrement dit, Chagall considérait le processus créatif comme partie intégrante du produit artistique. Chagall exprime une grande variété de sujets dans ses œuvres, il peint ce qu'il voit et ce qu'il rêve (Chagall, 1951), mais le sujet du mariage n'a jamais quitté son domaine de préoccupation.

Analyse d'un corpus d'œuvres sélectionné. Parmi les nombreuses œuvres de l'artiste, nous avons choisi dix œuvres, parmi lesquelles j'ai trouvé un lien et une séquence qui pourraient exprimer l'histoire de la vie de Chagall, sous l'aspect de sa conception du couple. Selon l'approche phénoménologique, à travers l'investigation du « est » dans le présent, il est possible de conceptualiser les caractéristiques de l'œuvre qui sont liées à la manière dont elle a été créée, à la structure et à la forme de l'expérience subjective, se débarrassant ainsi lumière sur l'histoire de la vie du créateur (Betansky, 1995). A partir de l'observation phénoménologique de l'ensemble des œuvres sélectionnées, je combinerai le rapport de l'artiste à son œuvre, ainsi qu'un lien avec son parcours.

Chagall a créé des couleurs riches en utilisant une palette de couleurs limitée dans la plupart de ses œuvres. Parmi ses premières peintures, on retrouve la prédominance de la couleur verte et sa couleur complémentaire rouge. Les couleurs complémentaires se renforcent mutuellement et créent un équilibre grâce à leur emplacement dans l'espace de composition. Par exemple, dans le tableau "La Promenade" (1918), la couleur de la robe du personnage volant est associée à la maison dans le paysage urbain vert et trouve un équilibre avec les taches de couleur rouge dans la partie inférieure gauche du tableau. composition (tableau 1). Chagall a écrit sur son penchant pour la couleur violette (1951, p. 39), dans cette couleur il décrit la robe de Bella, telle qu'elle peut être identifiée d'après ses écrits : « Elle vole de loin à travers mon tissu » (1951, p. 74). De même, le même équilibre a été créé dans l'utilisation de ces couleurs dans le tableau « Fenêtre à la campagne » (1915) ; Les deux taches de couleur rouge en bas de la composition, en relation avec l'ombre des visages des personnages en bas à gauche, qui consiste à mélanger ces deux couleurs, devant le paysage vert qui occupe la majeure partie du substrat de l'œuvre (dessin 2).

Le tournant est perceptible dans ses premières peintures, mais il est difficile à trouver. Comme par exemple dans le tableau 2, Chagall applique une perspective combinée avec un point de fuite au-dessus et un à gauche, et les deux sont situés bien en dehors des limites de la composition. Cette présentation de l'espace transmet un sentiment d'optimisme et que le monde est ouvert à tous les deux, comme cela se ressent également à travers la description du rideau levé dans ce tableau, ainsi que le minimalisme du cadre de la fenêtre qui amène la vue dans leur l'espace personnel, et l'unité des personnages avec le fond en couleur. Ses peintures décrivent la connexion humaine comme une partie ou une continuation de la nature elle-même. Une description qui exprime sa perception de l'importance pour l'artiste d'être en harmonie avec la nature (Mulan, 1969, p. 27).

Dans la plupart de ses tableaux, Chagall présente son autoportrait. Mais dans le tableau "Bella et Ida près de la fenêtre" (1916)", Chagall n'apparaît pas, mais seulement Bella et Ida leur fille. Comparé à d'autres tableaux de la même période, ce tableau est sombre et vide d'objets pour la plupart. L'axe supérieur de la fenêtre est représenté en diagonale par rapport à l'axe inférieur et à l'axe horizontal de la tringle à rideaux, ce qui crée une sensation de vertige, qui trouve un équilibre avec le volume des personnages, rassemblés à gauche dans le tableau de Bella. regard vers Ida, qui regarde dans l'espace de la pièce. Dans cette façon d'organiser la composition, en plus de cacher le point de fuite dans l'axe vertical de la fenêtre, le manque de contrôle et de certitude qu'a ressenti le créateur (dessin 3) Chagall a écrit sur la difficulté qu'il a ressentie lors de la naissance de sa maison : « Dommage ! J'espérais un fils, et voici une fille. Et la nuit, des cris et des cris pour rien. Je t'ai jeté avec colère sur le lit. que tu ne manges pas les cris des bébés. Terrible et horrible!" (1951, p. 92)
Dans la séquence de la série de peintures de ces années-là, un an plus tard, Chagall présente Bella, dans le tableau "Bella au col blanc" (1917), comme "plus grande que nature" compte tenu de la taille de sa silhouette, ce qui la renforce. importance. Avec la main de Bella pointée, Chagall se présente avec Ida, comme des petits au bas de la composition, sur une base tonale bleue et blanche semblable à l'arrière-plan autour de Bella.

La tête de son personnage est peinte en vert, dans le prolongement de la nature verte au-dessus, tandis que la robe d'Ida est peinte en rouge, comme un point qui crée l'ensemble (dessin 4). Il semble que la description de la nature, chez Chagall, s'exprime souvent à travers l'usage concret de la couleur, et l'expression des relations à travers l'usage abstrait de la couleur.

Chagall a également décrit la figure de Bella comme étant grande dans le tableau précédent "L'Anniversaire" (1915), où il est lui-même représenté flottant, dans une position corporelle flexible et fluide, embrassant Bella, ce qui lui donne un sentiment de sécurité et le soulève. , sur fond de flou de la ligne horizontale du coin de la pièce en dessous de lui, à côté de la stabilité de la ligne claire en dessous (Figure 5). Dans la continuité du thème du vol, dans le tableau 1, on voit Bella l'appelant à voler, les deux étant représentés au premier plan sur un fond de ville aux formes géométriques.

Chagall combine une riche variété de lignes dans la composition, certaines claires et nettes et d'autres floues et étalées, certaines continues et certaines fragmentées, certaines fluides et certaines géométriques nettes. Bien que la variété des lignes se retrouve dans chaque œuvre, ses premières œuvres se caractérisent par des formes géométriques, des lignes claires et anguleuses, la couleur définissant la forme. Par exemple, la description des arbres dans le dessin 2, et les éléments de l'ensemble de l'œuvre dans le dessin 3. L'utilisation de lignes arrondies et de lignes angulaires, d'une part, créent une sensation de mouvement, et d'autre part, imposer la statique et la stagnation. Comme on peut le voir dans la description du rideau au centre de la composition du tableau 2. Cette manière donne le sentiment que Chagall exprime le désir de laisser le temps à sa place, et la simple commémoration de ce moment, aux côtés de Bella, peut témoignent de son importance dans le monde de Chagall.

Au fil des années, Chagall renonce à l'esthétique cubiste et réfléchit sur la réalité de l'espace pictural qui n'est pas la même que la réalité visible (Mulan, 1969). Chagall a parlé d'une autre dimension, plus abstraite, de la liberté et de la libération : « L'art me semble être un état d'esprit plus que toute autre chose » (Mulan, 1969, p. 50).

Dans le contexte du déménagement à Paris puis à New York en raison de l'escalade de la guerre, ses peintures ultérieures deviennent plus sombres avec de nombreuses couches de couleurs et une ligne plus fluide et expressive. Il semble qu'il peint la toile en noir, et qu'il en fasse ressortir des images colorées, dispersées dans l'espace, sans perspective, ce qui donne le sentiment d'un rêve enveloppé dans les souvenirs de sa vie, comme il le disait aussi ; « Ma vie s'identifie entièrement à ma créativité » (Mulan, 1969, p. 34). Par exemple, le fond noir du tableau "L'heure entre le loup et le chien (entre les ténèbres et la lumière)" (1938-43), d'où émerge une image d'une rue enneigée avec un traîneau tiré par un cheval, le cadre restant noir. , qui peut exprimer son envie et ses souvenirs de Russie (tableau 6) .

Dans le tableau "La Mariée au visage bleu", l'élasticité de la position du corps de la figure masculine rappelle celle du tableau 5, mais le corps n'est pas défini et semble être une continuation du corps de la mariée (tableau 7). Il semble que Chagall les voyait comme un seul, sur fond de son judaïsme, comme il est écrit dans la Torah : « Et ils devinrent une seule chair » (Genèse 6, XNUMX). De même, dans le tableau XNUMX, Chagall montre son portrait joint en la tête à celle de Bela, ce qui donne un sentiment d'égalité dans la relation entre eux, quand parfois il est connecté à elle et parfois elle l'est à lui.

En 44, Bella meurt et Chagall exprime son désir pour elle dans le tableau "Bouquet aux amants volants" (1947). Ses couleurs deviennent encore plus sombres, avec des gravures sur couches de peinture. En haut de la composition, Bella est représentée flottant dans l'espace, alors qu'il lui embrasse la tête. Au centre est représenté un grand bouquet de fleurs aux couleurs complémentaires, vert et rouge (dessin 8). En 52, Chagall épouse Vave et lui dédie le tableau "Pour Vave" (1955). La description du cheval de gauche, dans la position de sa tête, ses dents découvertes et son œil ouvert, traduit une sensation de souffrance douloureuse. Après la mort de son père, Chagall écrit sur le sourire de son père, dont les dents étincelantes lui rappellent « des dents de chat, des dents de vache, juste des dents » (1951, p. 10). Il est possible de relier la description du cheval à la mémoire de son père, ainsi qu'à la mémoire de Bella, qui peut être identifiée dans la figure d'Eva, à la lumière du même angle et de la position de la tête, de manière à a représenté son portrait dans le tableau 4, et de la même manière la description des fleurs et la façon dont le personnage les tient dans le tableau 7. A droite, Chagall présente Son autoportrait de profil avec la tête baissée est gravé sur un substrat noir , qui semble enveloppé de deuil (fig. 9). Il est possible, à la lumière de ces liens, que Chagall ait trouvé le personnage de Bella dans sa nouvelle relation avec Eva.

L'ensemble des œuvres montre une période de 42 ans dans la vie de Chagall, de 28 à 70 ans. Le premier tableau date de l'année où il épousa Bella, et le dernier tableau semble clôturer l'histoire d'amour entre eux, dans l'expression de pleurant sa mort. Dans ce tableau, "The Street Performers" (1957), de sombres personnages émergent du substrat noir, tenant des instruments de musique avec un regard mélancolique qui se ressent dans leurs yeux creux. Une musique douce et lente se fait sentir à travers la charge de couleur en plusieurs couches, avec de courtes gravures pour caractériser partiellement les contours des personnages. Il y a cinq taches blanches de couleur (les visages de deux personnages, le violon divisé en deux et la main du personnage), dont l'une est en partie bleutée (tableau 10), semblable aux cinq taches blanches de couleur qui représentent les fleurs du personnage. tient dans le tableau 9. Ce tableau est perçu comme un requiem pour la mémoire de Bella.

En comparant ce dernier tableau au premier tableau, il semble qu'un monde optimiste les invite, le monde est dépeint comme cruel et effrayant. D'une peinture assez réaliste et précise, ses peintures deviennent surréalistes et expressives. Cependant, tout au long de son parcours, il semble que Chagall ait conservé les mêmes nuances de couleurs, qu'il a utilisées de différentes manières pour exprimer ses expériences dans ses œuvres ; « L'histoire se dévoile sur toile, dans un spectacle de couleurs » (Chagall, 1951, pp. 71-72).

Relier le processus créatif et l’autobiographie au modèle ETC en art-thérapie. Dans les œuvres de Marc Chagall, on peut voir un lien avec les éléments du modèle Expressive Therapies Continuum (ETC), qui explique la manière dont le créateur traite l'information lors de l'interaction avec les matériaux artistiques, à travers quatre niveaux de traitement de l'information, quand la division est arbitraire, et en fait ils existent souvent en même temps, quand ils ne peuvent être séparés. Chaque niveau de l’ETC se situe entre deux pôles, entre la fonction cérébrale droite et la fonction cérébrale gauche (Hinz, 2015). Les principales fonctions du lobe gauche sont impliquées dans des processus analytiques et continus, tandis que le lobe droit travaille de manière spatiale, parallèle et synchrone (Lusebrink, 2004). Dans cette section, je présenterai la manière dont les quatre niveaux de traitement de l'information se manifestent à partir de l'observation phénoménologique et symbolique des œuvres de Chagall.
Chagall a utilisé une grande variété de matériaux, mais dans l'ensemble des œuvres sélectionnées pour cette œuvre, la plupart des œuvres ont été réalisées à la peinture à l'huile sur toile avec l'intermédiaire d'un pinceau, à l'exception d'une œuvre à la gouache (dessin 9). Ces deux substances appartiennent aux substances humides, qui permettent une régulation renouvelée du développement (Harpaz, 2007). De plus, travailler avec ces matériaux implique des actions répétitives, par exemple tremper le pinceau dans de la térébenthine et de l'huile, prélever de la peinture sur une palette et l'essuyer avec un chiffon. Ce type de rituel est pour le créateur un point d'ancrage pour trouver un rythme intérieur et à partir de là pour un travail émotionnel plus profond (Orbach et Galkin, 1997).

Ses premières œuvres se caractérisent par une délicate couche de peinture, en partie transparente et en grande partie opaque, en appliquant la couleur et en la floutant, ainsi que par des mouvements courts et précis, qui créent des lignes claires et continues. Dans cette manière de créer, il est possible pour le créateur de se sentir ancré et en contrôle de son corps, qui exprime le premier niveau de l'ETC, le mouvement et la sensation (Hinz, 2015). Ses œuvres ultérieures se caractérisent par des mouvements plus rapides, étalant la peinture avec les bords du pinceau, appliquant de la peinture brute en plusieurs couches et des gravures révélant le substrat. Ce qui est possible dans cette manière d'utiliser les substances, à ce niveau de l'ETC, c'est l'expression de ses sentiments profonds et la capacité de les réévaluer (Hinz, 2015).

Le traitement de l'information au deuxième niveau va de l'expression émotionnelle à l'expression perceptuelle, rendue possible grâce à l'utilisation d'éléments formels (Hinz, 2015). Dans la plupart de ses premières œuvres, une composition équilibrée peut être trouvée grâce à l'acceptation d'éléments colorés dans l'espace créatif. Aussi, l'utilisation de couleurs complémentaires, la couleur définissant la forme. Tout cela permet au créateur d’identifier ses sentiments en toute sécurité. De plus, la présentation de son autoportrait à la troisième personne dans ses œuvres permet une organisation et une régulation internes et externes grâce à la capacité d'observer de côté (Hinz, 2015). Dans le tableau 3, dans lequel Chagall n'apparaît pas en personne, les personnages sont représentés avec des contours plus clairs que la description des images dans ses autres œuvres de la même période. Définir les limites de la forme permet de définir l'expérience, et donc un sentiment de contrôle sur l'expérience pour le créateur (Hinz, 2015). Ses œuvres ultérieures deviennent plus sombres et les images perdent leur forme claire, ce qui donne un sentiment de difficulté à contenir la rancune envers le créateur. Parallèlement, il semble que la couleur noire soit utilisée comme base sur laquelle les expressions émotionnelles peuvent être transportées, ainsi que l'utilisation de la gravure, qui peut exprimer la libération de ces émotions.

Au niveau cognitif-symbolique, il existe un traitement complexe de l'information, qui permet la croissance intérieure depuis la recherche d'un sens personnel grâce à la compréhension des symboles et des valeurs universelles (Hinz, 2015). À travers l'utilisation de représentations symboliques, Chagall décrit son partenariat avec Bella, au début de leur voyage, de manière intime et unifiée, ainsi que l'amplification de la grandeur et de la beauté de la nature. Comme vous pouvez le voir sur le dessin 2, leurs têtes l'une au-dessus de l'autre créent une aspiration vers le haut et créent même une association de tronc d'arbre. Dans son paysage, les arbres semblent s'unir les uns aux autres et même croître en demande de relation. La paire de fruits rouges et la présence même de la vaisselle dans l'espace privé de l'intérieur de la maison semblent non seulement exprimer le besoin existentiel et les moyens nécessaires dans nos vies, mais aussi souligner leur partenariat en tant que source spirituelle qui nourrit leur l'âme comme nourriture pour le corps. De plus, une paire de plaques superposées, celle du haut inversée et se fermant au-dessus de celle du bas, renforcent le partenariat et lui donnent un sentiment d'unification en une seule unité.

Dans ses peintures ultérieures, sur fond de guerre, de transitions forcées vers des pays plus protégés, Chagall présente de nombreuses images dispersées dans l'espace créatif. Dans le tableau 6 et le tableau 7, vous pouvez retrouver des images de ses souvenirs de sa vie dans son pays natal (Mulan, 1969). La création de ce type de collage, dans la manière dont les images sont sélectionnées et disposées dans l'espace de composition, crée une signification personnelle pour le créateur, qui stimule les processus cognitifs et développe la capacité d'organisation et de fonctionnement supérieur (Hinz, 2015). Chagall écrivait que « mes couleurs devenaient bleues à cause de la terreur » (1951, p. 37), ce qui pourrait être une image symbolique à travers la couleur dans sa signification personnelle pour lui, dans la représentation de la figure de Bella avec lui, flottant dans un ciel bleu. l'espace, dans le tableau 8, après sa mort. La peinture 10, la dernière du corpus des œuvres, montre des figures masquées, qui peuvent exprimer un autoportrait symbolique, et ainsi être un parallèle avec les parties que le créateur ignorait dans le passé, ce qui lui permet de vivre avec ambivalence et ambiguïté. dans sa vie, trouvant ainsi un sens à la difficulté et à la douleur (Hinz, 2015).

La connexion du contenu symbolique avec le traitement de l'information visuelle et sensorielle crée un changement dans les opérations cérébrales du créateur. De plus, les processus de création et les produits permettent implicitement la création d’un système d’engagement renouvelé (Hass-Cohen, 2016). Dans un espace relationnel sûr, une expérience sensorielle régulée, une expression émotionnelle authentique et l'activation de souvenirs passés sont possibles (Czamanski-Cohen & Weihs, 2016). Il semble que Chagall ait réussi à surmonter la mort de son amante Bella et à nouer une nouvelle relation ; « Mes soucis disparaissent un à un quand Eve est avec moi » (Mulan, 1969, p. 72). À la lumière de ses écrits et des changements survenus dans le développement de son expression artistique, il semble que Chagall ait été capable de développer des idées, de créer une intégration et de se déplacer entre tous les niveaux selon l'ETC, qui expriment le niveau créatif dans l'ETC. modèle (Hinz, 2015).

Résumé. L'artiste Marc Chagall a créé à une époque où l'art moderne était florissant. Avec tous les éléments visuels des différents styles artistiques, Chagall exprime à travers les couleurs et les images, son contenu émotionnel et sa perception de la vie. De l'observation de ses centaines d'œuvres et de la concentration sur un ensemble d'œuvres sélectionnées dans cette œuvre, il ressort que pour Chagall, l'art était un lieu central dans sa vie, où il pouvait exprimer ses sentiments et, à travers lui, contenir ses expériences, dans par rapport aux événements de sa vie personnelle et aussi par rapport à la dure réalité qui est arrivée à la majeure partie de l'humanité pendant cette période de guerre.

Les changements survenus dans les processus créatifs de Chagall reflètent le processus de son développement mental. Dans sa jeunesse, ses peintures sont exécutées avec une main précise, en une seule couche claire et lumineuse, accompagnées d'une organisation plus calculée de l'espace de composition. Chagall a écrit son autobiographie à l'âge de 35 ans, exprimant dans ses mots un lien authentique et honnête avec lui-même. Il semble que le monde lui soit présenté ouvert, comme on le ressent également dans ses premières peintures comme un monde optimiste qui l'invite avec sa femme Bella. Ses peintures ultérieures ont commencé à être remplies de nombreuses images différentes, accumulant des couches de couleurs différentes et plus sombres. Dans sa vie d'adulte, Chagall a connu la séparation d'avec son pays natal et sa première épouse. Sa vie a accumulé différents chapitres de son histoire, qui se reflètent dans les différentes couches de ses peintures. Plus tard, une gravure a été ajoutée, révélant la couleur originale du support sous les nombreuses couches de peinture. Chagall a écrit un poème sur la patrie de son cœur, qui est sa seule patrie (le poème est écrit à la fin du post). Malgré les tragédies de sa vie, il semble avoir réussi à maintenir un lien intérieur avec lui-même.

Bien que beaucoup ait été dit dans notre classe sur l'importance de l'écriture réflexive à partir de l'expérience, l'importance des mots s'est accentuée pour moi, depuis la création du lien entre l'analyse phénoménologique et les écrits et mots de Chagall, cités par d'autres, jusqu'aux théories dans le domaine de la l'art-thérapie. Les mots, liés aux couleurs, aux formes et aux relations entre elles, peuvent créer une séquence dans une histoire plus compréhensible de la vie de l'artiste.
De par ma connaissance des œuvres de Marc Chagall, nous avons choisi de filtrer les œuvres qui contiennent des images juives et des scènes de la Bible et du Nouveau Testament, car je ne voulais pas entrer dans la question religieuse, comme Chagall l'a également précisé à ce sujet : "Je suis un mystique. Je ne vais ni à la synagogue ni à l'église. Ma créativité est ma prière » (Mulan, 1969, p. 178).

En créant une chronologie avec des moments importants de la vie de Chagall, la relation entre lui et Bella, sa première femme, s'est démarquée. Il est également possible que notre choix de relation conjugale entre les deux soit influencé par notre relation familiale avec Bella, qui est une cousine de notre grand-père paternel, Alexander Cherkov. Nous avons trouvé un lien avec nous-mêmes dans tout ce qui touche au centre de l'amour, qui établit la force bénéfique pour la création de la vie ; « Si je crée avec mon cœur, tout ressort magnifiquement, et si je crée avec mon esprit, rien ne sort » (Mulan, 1969, p. 122).

 

Un poème de Marc Chagall

"Ma seule patrie

Elle est la patrie dans mon cœur,

Je viens chez elle sans passeport

Comme si elle était à la maison.

Elle voit ma tristesse

et ma solitude,

Et elle me donne le sommeil.

 

Il y avait des jours où j'avais deux têtes,

Il y avait des jours où il y avait deux pence

recouvert d'un voile d'amour

et fondre dans le parfum d'une rose.

 

Mais maintenant, il apparaissait comme si même dans ma retraite

J'avance toujours

vers un portail surélevé,

au-delà desquels s'étendent des murs,

derrière lequel le sommeil éteint le tonnerre

et la brillance qui en résulte.

 

Ma seule patrie

Elle est la patrie dans mon cœur » (Mulan, 1969, p. 85).

 

bibliographie

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