El artista Paul Cézanne (1839-1906), pintor francés, es considerado uno de los más grandes artistas Los postimpresionistas. El estilo artístico de Cezanne influyó mucho en el desarrollo del arte en el siglo XX, especialmente en el movimiento cubista.
Tras la muerte del artista Paul Cézanne, se celebró en París una gran exposición de sus obras. Y la clase de Cézanne para artistas jóvenes en París y otros es muy importante. Cézanne nació en el sur de Francia, no lejos de Marsella. Se traslada a París y participa en la primera exposición impresionista. Sus cuadros no son aceptados en la sala de estar por lo que regresó al sur. Vive y pinta en su ciudad natal en el sur por lo que está claro que no se ocupa de la ciudad como Mona, no se ocupa de la ópera, el teatro. Su ocupación se centra en la visión: cómo vemos. Cómo cambia la apariencia del mundo ante nuestros ojos cuando miramos, observamos. Construye sus pinturas con mucho cuidado. Cezanne no es una persona sencilla, una persona compleja y complicada pero no hablaremos de eso.
Algo muy poco claro está sucediendo aquí. Una comida en la hierba como en Mana's. Pero este grupo era tacaño o pobre, 3 manzanas para tanta gente. No solo eso, la pintura es muy oscura y todo el suceso no está claro. De espaldas a nosotros es Cezanne, el sombrero al costado. Señala con el dedo, ¿para qué? ¿Perro? ¿La mujer grande? Esta mujer es muy grande en relación con los otros personajes. Ella es realmente enorme. El hombre sentado con la mano en la barbilla y junto a él otro hombre que parece estar haciendo una ceremonia. Cézanne está vestido con un uniforme del siglo XIX y sale del lugar con la enorme mujer. El propio Cézanne dijo que el dibujo comienza donde terminan las palabras. Cada uno de nosotros puede inventar una historia. Entonces, lo que todos dirán, y la historia será diferente cada vez. No tenemos forma de discutir esto, son hipótesis. Lo que, por supuesto, hizo del video una sensación de la noche a la mañana. Cezanne construye la pintura con cuidado. La enorme mujer sumisa: el árbol está paralelo a ella. El perro naranja en línea recta con su maestro de ceremonias pantalón naranja. Las manzanas y el perro en línea recta. Cezanne conecta el primer plano con el segundo y el tercero. Incluso en los detalles más pequeños, Cezanne es meticuloso. La línea del dobladillo del vestido se repite en las nubes. Como dijimos en Mana, el verdadero reflejo racional no importa, él construye un cuadro. Lo mismo ocurre con Cézanne y de manera más poderosa. Otro cuadro es el reloj negro.
El reloj no tiene manecillas y un enorme jarrón de cristal de ostra con limón y mesa. Las formas se repiten. Vuelve el amarillo. Las jorobadas vuelven al final del jarrón, en la página y al final del mapa.
A medida que avanzamos de izquierda a derecha (toda la pintura occidental se lee de izquierda a derecha como se escribe y se lee en idiomas europeos). También la línea horizontal de los múltiplos. Vemos que Cezanne está pintando tanto personas inanimadas como personas en el paisaje. También autorretrato:
Prepárate muy cerca. Él sostiene el aparato ortopédico, probablemente sostiene un cepillo. El pelaje de Cezanne está lleno de manchas. Su rostro tiene manchas de color. Aquí, en mayor medida, Cezanne conecta el primer plano con el último plano a través de las manchas de color recurrentes. Cuando los colores resuenan entre los planos, el ojo se dirige entre los planos que el ojo recuerda y conecta. Además, incluso en este caso, Cezanne construye la pintura con mucho cuidado, en los detalles más pequeños: la curva del corsé repite la curva de la barba. El final del corsé continúa en línea recta hasta la manga. La línea diagonal de la tela repite la línea diagonal del pedestal. Se repiten todas las líneas y manchas del cuadro.
Aztec- Hoy es parte de Marsella. Solía ser un pueblo. Especialmente cuando lo comparamos con una pintura de Claude Lorraine.
El horizonte en la pintura de Lorraine es bajo. Si dividimos el cuadro de Claude Lorraine en 3 partes. El cielo de Cezanne es menos de un tercio. Claude Lorraine tiene un mayor sentido de profundidad y extensión. Si un artista quiere una extensión profunda, aplicará el horizonte bajo.
Aparte del hecho de que el horizonte bajo de Claude Lorraine tiene una sensación de paisaje profundo, estamos entrando gradualmente en él. El ritmo de la luz y la sombra. Cuanto más lejos, las pinturas son brillantes y todo parece estar envuelto en humo. Aparte de eso, el recodo del río nos pone dentro. Era costumbre hacer una vista profunda o realmente una curva de río o un camino sinuoso.
Para Cezanne, el color de las montañas es fuerte. La intensidad del color de las montañas es como la intensidad del naranja en el primer plano y del azul en el segundo plano, nuestra distinción no se interrumpe, el ojo humano conecta secuencialmente los movimientos y colores. Cézanne dibuja como un metro y pesca la visión: cómo percibe el ojo. Y su intención no es dar una imagen fija y estática. El ojo se conecta entre el primer plano y el segundo plano con el tercer plano con las manchas de color regresando, pero no solo eso, el ojo también se conecta. El muelle, el humo ... Conectamos el primer llano y el muelle lejano. Ahora podemos entender mejor que el pintor nos está diciendo que esto es una pintura sobre lienzo, esto no es un reflejo de la realidad. La tela es plana. Repita la planitud del sustrato, en este caso la tela.
La pintura de Claude es una pintura de paisaje, pero no se llama pintura de paisaje, sino "Descanso en el camino a Egipto" basada en historias de la vida de Jesús, cuando nació se sabía que había nacido, el gobernante supo de él y ordenó matar a los bebés, la familia de Jesús lo huye a Egipto. En el siglo XVII no hay otra pintura solo hay que pintar en el paisaje algunas figuras o escrituras o mitología. Personajes pequeños pero imposibles sin ellos. En términos de forma, la pintura de Cézanne "La bahía de los aztecas" es muy diferente de Claude Lorraine, diferente en el horizonte, aparte de que la similitud es con Claude en el árbol alto a la izquierda y menos a la derecha, en el medio de la entrada a la pintura. En Cezanne, a la izquierda, el continente va más alto y a la izquierda, más abajo. De lo contrario, no habría despertado interés, debería haber alguna diferencia. Cezanne también permite entrar al paisaje a través de la chimenea con el humo en línea recta. Para conectar el plano medio con el último pasa la línea desde el muelle. Otra diferencia con Claude los colores son graduales, se vuelven vagos a medida que se alejan de nuestros ojos, en el primer plano azul fuerte y en el último no se pueden ver colores, no hay colores fuertes, porque la convención de que cuanto más lejos somos menos notorios en su color pero en Cezanne en el último plano en las montañas En la primera llanura, las montañas verdes en la cima de la montaña son idénticas en intensidad al color de los árboles (aún más fuerte), las montañas no uniformes en color, hechas de pinceladas de distintos colores (azul, verde y naranja) similares a las casas y árboles de la primera llanura.
El pintor nos dice que es una pintura sobre lienzo pero no es un reflejo de la realidad. La parte superior es relativamente plana, repitiendo la planitud del sustrato (tela).
Cambios históricos en la cosmovisión de este período. Los artistas (como Cezanne) no necesariamente leen ciencia, el artista es una de las personas que provocan el cambio como científico o escritor.
Tres modos de expresión, palabras, números y formas (dibujo). El artista habla del mundo, dejándonos entender nuestro lugar en el mundo. Él mismo traduce su visión en formas. Los Empresionistas hablan de cambios en la ciudad, de consumo, de clases, de la influencia de la luz, del movimiento y todo esto a través de la forma.
Para ver el arte hay que aprender a verlo, a darse cuenta de lo que sucede y cómo comunica los procesos históricos (historia de las ideas, de la ciencia).
Otra comparación entre Cezanne (azteca) y Jacob. En "Mirror of Harlem" de Jacob (un barrio de Manhattan), la línea del horizonte es dos tercios más baja en el cielo, da una sensación de espacio, alterna entre sombras y luces para que el ojo entre lentamente. Cézanne también hace una alternancia de luces y sombras, pero en menor medida. El maestro dijo que en el siglo XVII no hay paisaje que sea solo paisaje pero hay una diferencia entre países católicos como Francia Italia España donde no hay paisaje sin texto. No es así en la pintura holandesa, los holandeses dejan de ser católicos, también lo hace Inglaterra.
El artista Paul Cézanne pinta mucho bodegón, dice que se fue de París y regresó a su ciudad natal en el sur de Francia porque no le interesaba pintar rápido, capturar el momento, los cambios de texturas y colores influenciados por la luz. Quiere construir el cuadro como si fuera una comida en el césped, el reloj negro. Dibuja en detalle, controla el dibujo, dibuja lentamente. En una naturaleza muerta a diferencia de un cuadro de paisaje, está en su habitación, no cambia todo el tiempo, puede prestar atención a cada detalle, le interesa.
En el siglo XVII pintaron muchos bodegones y paisajes. Debido a que comprarían pinturas pequeñas, las pinturas de naturaleza muerta a menudo también tenían significado, trataban con el pecado del orgullo, uno de los siete pecados principales, recordándole a una persona que no debe estar orgullosa, sus días siempre están contados, todos estamos muertos, no hay nadie que no lo sea.
Un limón medio pelado es una textura, el bollo, el vaso medio lleno, muchas veces estos cuadros tenían relojes de arena (pasa el tiempo) o humo subiendo y desapareciendo, los cuadros holandeses como inmundos, no solo querían enseñar moralidad, decirle a una persona que su vida es corta y que debe prestar atención Vive porque tiene que temer a Dios. Aparte de eso, Cézanne no tiene tal cosa, sus cuadros no predican esta moralidad, simplemente es silencioso. Pero sabemos mirar y ver que en Peter las pinceladas son breves, texturas diferentes, la hermosa copa de vino, todavía con cáncer en el plato, no hay duda de que el vaso es vidrio, una placa de metal. En Cezanne, en cambio, entendemos que es una mesa de madera, e imaginamos que el blanco es un plato de porcelana y también lo es la jarra de leche, pero no hay la misma distinción en textura. La mesa parece rota, el lado derecho y el lado izquierdo no continúan en la misma línea, en una pendiente en comparación con Peter donde la línea de la mesa es recta. Con Cezanne, si esta fuera la realidad, los frutos se caerían de la mesa. En el dibujo en perspectiva exacto cuando dibuja el vaso, la parte superior del vaso no es visible en la pintura, volviéndose más estrecha en comparación con la jarra de leche de Cézanne. El vidrio tiene un reflejo de luz. Con Cezanne ves el último extremo alto, puedes mirar dentro de la urna. Para Peter y otros artistas en los Países Bajos en el siglo XVII y también en el siglo XVIII son fieles a la convención de que el pintor pinta lo que se ve ante sus ojos, transmite lo que ve solo. La convención de dibujar de frente, no de lado, no cambia este punto de vista. Todo desde la misma distancia en la que te paras y miras, todo es uniforme. Ya hemos visto que Degas cambia esta convención, dibujando desde arriba desde un lado. Cézanne también es infiel a esto, dibuja algunos de los objetos de frente y luego cambia su punto de vista y mira hacia abajo, para ver el interior de la urna. El plato de Peter también parece elíptico, no redondo como el de Cézanne. En Cezanne, el tablero de la mesa se levanta y se reúne en la silla de las tres patas.
Compare otra pintura de Cezanne (Todavía con manzanas) y Survivor. En Chardin nuevamente una mesa en línea recta, termina en el lado derecho, sobre la mesa una taza, tiene una habilidad sobresaliente para pintar las diferentes texturas, la piel del melocotón parece viva, un cuenco con fresas cuando las fresas se disponen en forma piramidal lados realmente iguales. Para Cezanne la mesa parece rota, más claramente en el dibujo anterior, las líneas de la mesa no están en la misma línea. Diferencias de altura, ver el interior de la canasta, cambia los puntos de vista.
Un cambio fundamental de principio en el pensamiento humano, en respuesta a la pregunta ¿qué vemos? ¿Cómo vemos? ¿Cómo conocemos el mundo? En el siglo XVII hasta la segunda mitad del siglo XVIII la percepción era que el hombre nació y Dios le dio, graciosamente lo agració en conceptos fijos en la cabeza, una especie de imágenes, así es como se crea el hombre cuando sabe lo que es un cubo, una pirámide, tiene conceptos con los que nació en la gracia de Dios.
Texto sobre cosmovisión, Descartes, diálisis:
Uno de los filósofos y científicos más importantes del pensamiento científico fue René Descartes en el siglo XVII. Sepa que la iluminación es diferente, diferentes ángulos cambian la apariencia del objeto, si veo un cubo de frente es diferente a la apariencia del lado, la visión es engañosa. Nuestro diagnóstico está en el cerebro, lo que siempre significa que siempre tiene la misma forma. Dice que cerraré los ojos cerraré los oídos, ignoraré los sentidos, el conocimiento del mundo es el conocimiento que tengo en mente, esta dirección en el pensamiento europeo y oriental entre los árabes, el racionalismo, nuestros conceptos y nuestro conocimiento no dependen de la experiencia sensorial, lo que vemos es distorsión.
Incluso en diálisis en la filosofía occidental, es una intuición mental, no los sentidos. Determinada la percepción de lo que es la pintura, cambia, nuestro conocimiento del mundo con la nueva percepción moderna, el conocimiento no es permanente, la atención y el énfasis se desplaza hacia la experiencia sensorial, al ojo fisiológico del hombre. El hombre construye y da forma a lo que ve en el mundo combinando conocimientos previos y experiencias reales. Cuando nace un bebé humano, déjelo jugar a los dados, a la pelota, a la pirámide, a rodar, comienza a sentir, así que tiene un conocimiento temprano y además de lo que realmente vemos, no hay una imagen fija en su cabeza que cambie, sigue cambiando, lo que existe en la nueva percepción es la imagen cambiante. Cada distinción es una combinación de conocimientos previos y el conocimiento de ese momento. No hay una forma fija que se pinte, Cezanne dibuja el cambio, el nuevo look en cada momento. Para Cezanne, las manzanas que pinta una y otra vez no están preparadas de antemano a partir de la idea del cerebro, cada manzana es una recreación. En Cezanne cada vez que el objeto se recrea según la luz que incide sobre él, crea la manzana que no se le da de antemano. Cézanne quiere pintar como no pintó Afahad antes que él, escribe en una carta que quiere sorprender a Paris con la manzana, pintar una manzana y vieron que era una pintura de una manzana. Mana también quiere que notemos que se trata de una pintura. Hay manzanas con contornos algunos sin, cada una de un color ligeramente diferente. Cezanne dibuja la nueva relación con los datos de los sentidos (visión).
El artista Paul Cézanne pinta desde diferentes puntos de vista, la canasta la vemos tanto de frente como de arriba. También la urna, tanto de frente como de arriba. Evidentemente, la mesa está rota. Cuando se mueve, el punto de vista cambia y luego surge una distorsión. Las líneas no drenan al mismo punto.
Otra comparación entre Cezanne y Chardin. Chardin del siglo XVIII, todavía creía que nacimos por la gracia de Dios, con imágenes innatas y los sentidos solo interfiriendo. Cézanne dice que el mundo es lo que veo, no hay otro mundo, el único mundo es el que veo, y lo que veo cambia todo el tiempo.
Dos imágenes más de Cézanne, inmóvil (manzanas), el vaso se encuentra con la pared, la mesa está rota, el cuenco tanto desde el frente como desde arriba, mira el fondo del cuenco.
Dos ejemplos más, en sus pinturas posteriores, a finales de siglo las pinturas son muy ricas.
Cezanne también pinta un retrato de un hombre. Ya hemos visto su autorretrato.
Finales del siglo XIX En comparación con la pintura de Chardin, se nota un movimiento, un suave movimiento de pincel. Con Cezanne todo son manchas, construye la pintura, da forma al mundo que ve, con cada mirada, con cada movimiento todo cambia, y dentro de ese cambio construye la pintura hasta el último detalle.
En Cezanne, la persona está en línea recta con la silla, el sombrero es alto y recto y está sentado contra una pared que probablemente tenga alguna forma, manchas de color. El otro hombre se inclina hacia un lado, no se sienta erguido, su sombrero está aplanado y está sentado contra líneas rectas, Cézanne quiere dar interés para equilibrarse contra ambos lados. Otro hombre en líneas rectas sobre un fondo poco claro en comparación con el hombre de la derecha, meticulosidad, no dibujo rápido, quiere mirar cada línea. Los bordes del mapa, en el lado izquierdo el borde del mapa tiene una línea recta en el hombre en el lado derecho el borde del mapa es diferente, no una línea recta.
Cézanne también pinta un paisaje, pinta de la misma manera que pinta inanimado. El motivo no es importante. No es el tema lo que importa, sino cómo pinta. Cezanne tiene decenas de pinturas de la misma montaña. "Monte San Víctor" - el Monte de la Santa Victoria. En 1882, los colores a lo lejos tienen la misma intensidad que los colores del frente. Fiel a la tradición de la pintura, Cezanne utiliza todos los trucos, luces y sombras alternativamente para una sensación de profundidad. Hay un camino en la pintura, una hilera de casas, los campos, las montañas. Para diferenciar entre las pinturas su ubicación es diferente.
En 1906 murió Cezanne, estas son sus últimas pinturas entre 1902 y su muerte. Hay un elemento alto en comparación con un elemento inferior, los colores que se repiten con la misma intensidad en ambos cuadros más que antes. Se repiten los colores del último y primer plano, el azul, el verde, el naranja, el blanco. El ojo guarda y recuerda, hay una secuencia de vista. Cuando repite los colores de ojos de Francia, la pintura se ve más plana. Utilizando pasajes a la manera de pintar la madera que se traga y se fusiona, no hay contornos, es suave, no está claro dónde comienza el árbol y dónde termina la montaña. Puedes ver en las pinturas que es el mismo lugar pero ligeramente diferente, lo que es este árbol.
Cuando los científicos estudian el globo ocular, cómo funciona el ojo, notan cosas nuevas, que la visión en el centro del ojo es diferente, es más nítida que en la punta del ojo. No vemos lo mismo, miro hacia adelante, el punto central veo una imagen clara y el resto de la visión del mundo en el campo de visión más amplio es más borrosa. Cuando miro mucho tiempo en el mismo lugar donde se afilará el espejo, se vuelve borroso.
El personaje versus fondo, que resulta que la distinción entre personaje y fondo no es fija, no hay personaje en un fondo fijo, cuando busco durante mucho tiempo o vuelvo la mirada, qué es un personaje y qué momento cambia. Esto es lo que dice Cézanne en sus pinturas como decían los científicos sobre el ojo.
"El jardinero" de Cézanne, a diferencia de Piero della Paracasca del siglo XV, tiene carácter y trasfondo en ambos. En Francesca la figura (el príncipe) en colores fuertes, un rojo fuerte se destaca, detrás de él el fondo se diferencia de él, la tierra que controla. Para Cézanne, la figura está parcialmente absorbida en el fondo, la distinción entre la figura y el fondo no es nítida, el borde del zapato no está claro, la pared se eleva sobre su hombro. La distinción entre personaje y trasfondo no es fija y puede variar. Se vio hasta 15
El "Retrato del jardinero" de Cézanne, un retrato completo, se ve en todas partes, si se compara con una pintura del siglo XV con una pintura de Pierre, pinta al Conde muy conspicuamente con su vestido rojo conspicuo contra el fondo. En el primer nivel es más oscuro y en el último nivel parece nubes pero es una montaña. Mientras que con Cézanne hay más lugares donde el personaje encaja en el fondo, el zapato de Valia, ¿dónde termina su zapato? ¿Dónde terminan sus hombros? Los hombros parecen una superficie, parte del fondo. Una combinación del personaje de fondo. De acuerdo a nuestra nueva comprensión de la forma en que una persona ve, que es una visión de un proceso, no hay una imagen en la mente lista, una especie de regalo de Dios, a medida que crecemos conectamos lo que vemos con la imagen en la cabeza, pero lo real es la imagen en la cabeza, en la idea. Los objetos que vemos son en realidad distorsión, no siempre notamos bien, con diferente iluminación el objeto cambia, con diferente visibilidad el objeto cambia. Hasta ahora se entendía que el objeto está separado de la persona, del observador y el pintor pinta el objeto en su totalidad tal como está en la imagen del cerebro. Pero si el ojo fisiológico de la persona, no hay distinción entre el personaje y el trasfondo, cuanto más mires no existe la distinción, el personaje puede mostrarse como trasfondo, no hay otro mundo que el que vemos, damos forma a nuestro mundo en base al conocimiento y la experiencia sensorial.
La pintura de Cézanne, figuras en el paisaje como la comida en la hierba, sin proporción, sin relación de tamaño razonable, la mujer parece un gigante con una espalda enorme, la mujer de pie también se ve grande, parece parte del árbol, toca realmente el tronco del árbol, no está claro dónde terminan las figuras, Las cabezas de las mujeres parecen tulipanes. Los árboles no tienen límites claros, la mujer sentada de espaldas al suelo no tiene claro dónde, esta figura volverá a otros pintores que estudian con Cezanne.
Cezanne arregla la pintura en forma de pirámide, tiene una vista profunda, la mujer enorme está envuelta en el fondo, sus límites no son claros, la pintura no está idealmente terminada, no tiene manos. ¿Cuál es el contenido del cuadro?
Hemos visto que en pinturas anteriores de Claude Lorraine "El descanso en la fuga de Egipto", y en Chardin "La copa y el cuenco" las texturas y formas perfectas, la pintura de Claude está pintada como si fuera un poco abstracto, pensamiento abstracto, como si el lienzo no existiera, porque la pintura es una ventana a la realidad. O cada uno de nosotros cuando ve este paisaje es como si estuviera parado en una ventana y mirando el paisaje, está mirando un paisaje cuyos detalles son fijos, son de la mente. Todos los cuerpos, nacemos con estas imágenes, cuando crecemos nos identificamos en la realidad pero antes que nada están en la mente, la pintura es una representación del mundo tal como lo conocemos, es como una ventana al mundo. La pintura es una representación, una representación. Lo que hace el pintor hasta el siglo XIX es hacer una representación del mundo tal como existe, por eso la pintura es una ventana a la realidad, el lienzo supuestamente no existe, lo vemos en profundidad.
Con Nicola Posen, pinta la "sagrada familia", los cuadros son claros, colores fuertes, y detrás de ellos la vista con los edificios y hay una especie de ventana aquí, todo es tan realista. Con Cezanne mucho más plano, no hay una entrada profunda al paisaje, las nubes; lo que sea que se selle, solo en paralelo, nos impide el agujero, la sensación, la percepción de que nos paramos en la ventana y miramos el paisaje porque lo sella. El contenido de las pinturas de Cézanne es nuestra nueva actitud hacia lo que vemos, somos activos en el mundo, la vista es un proceso, para Posen es como un fondo predeterminado. En Cezanne nuestra confesión al mundo, cuando se mueve o busca durante mucho tiempo el mundo cambia. No hay nada fijo y depende de nuestro cuerpo, si nos movemos o no nos movemos, cuanto tiempo miremos que si por mucho tiempo parece más borroso, no tenemos una imagen en mente, aprendemos el mundo. Nuestro placer se intensifica cuando sabemos lo que estamos viendo, después del primer toque de admiración y emoción.
"Sendero en el bosque" de Cézanne versus la pintura de Claude "La vela de la reina de Saba" (historia), Claude es un pintor de un paisaje pero un paisaje está en una jerarquía baja, agrega imágenes que estarán basadas en textos preexistentes y familiares para el público, escrituras, mitología. Este es un llamado paisaje profundo donde colocamos al pintor en una ventana abierta, aire por el que se puede pasar y mirar esto sucediendo. La diferencia con el cuadro de Cézanne, el camino se termina de repente, todos los árboles llenan la copa, estas no son casas, no está claro qué es, está cerrado. Cézanne supuestamente repite el lienzo, se encuentra el lienzo, no es una ventana, es opaco y eso es lo que ya dijimos sobre las pinturas de Mana, los bordes están cerrados, está construyendo un cuadro, por lo que incluso un mostrador puede pintar la catedral 20 veces y Cézanne la montaña una y otra vez. Es una imagen y nos deja claro que es una pintura sobre lienzo, sobre un sustrato. Comparado con Claude que parece no tener tejido. Un plato resaltaba la tela, en Olimpia es marrón y en medio de una raya, en el balcón repitiendo las líneas verdes de las contraventanas y barandilla. Lo que Cézanne pinta es el nuevo lugar del hombre en el mundo, no más alguien que se quede quieto sin mirar por la ventana y el mundo le será revelado. Somos socios en la construcción del mundo, nuestro ojo, nuestra percepción sensorial y nuestro conocimiento dan forma al mundo. No hay otro mundo que el que vemos, el mundo es lo que hacemos de él. Aquí hay una percepción completamente diferente, así que cuando Cézanne incorpora al personaje en el fondo, evita la profundidad. Impide esta entrada profunda, se convierte en un bloque, como si fuera una superficie.
Productos de arte recomendados
-
- Agotado
Kit de escultura de arcilla natural
- ₪170
- קרא עוד
-
