Análisis del proceso creativo del artista Marc Chagall

autobiografía. Marc Chagall (1887-1985), nació en el pueblo de Lyozno, cerca de Vitebsk, en Bielorrusia. El hijo mayor de nueve hijos de Hatzkel Chagall y Paige-Ita, una familia judía jasídica. En 1906, Chagall comenzó a estudiar pintura en Vítebsk y continuó durante tres años en San Petersburgo. A partir de 1910 permaneció en París durante cuatro años y regresó a Wittesbeck vía Berlín, donde realizó una exposición individual (Wolf, 2019). En 1915 Chagall se casó con Bella Rosenfeld y se mudaron a Petersburgo hasta 1923, cuando se mudó con su esposa y su hija Ida a Francia. Durante este período en Rusia, Chagall fue supervisor de arte en Vitebsk, fundó y dirigió una escuela de arte, y en 1920 se retiró de su puesto y pintó en las paredes y el techo del teatro ruso y preparó decorados para representaciones allí (Mullen, 1969). En 1922 escribió su autobiografía "Mi vida" (Chagall, 1951).

En Francia, ilustró libros y realizó grabados para la Biblia. En 1941, Chagall abandonó Francia debido a la guerra y emigró a Nueva York. En el 44 murió su esposa Bella. En el 47 comenzó a realizar litografía en color y un año después Regresó a París. En el 50 se inició en la alfarería, y en el 51 creó sus primeras esculturas. En el 52 se casó con Valentin (Va) Brodsky, y continuó pintando, pero en un estilo más lírico y abstracto, con colores más melancólicos. y temas. Chagall tuvo grandes logros en su arte durante su vida. En el 57 comenzó a trabajar en mosaicos, y en el 60 comenzó a vidrieras para Metz y Jerusalén. En el 63 pintó el techo de la Ópera de París. y en el 66 pintó las paredes del Arts Center de Nueva York (Mulan, 1969).

Aunque Chagall veía su pintura como oriental, que no pertenece a ningún movimiento artístico determinado (Mulan, 1969), es posible encontrar en su estilo artístico combinaciones de elementos visuales del estilo del cubismo, impresionismo, fauvismo, primitivismo, Simbolismo y surrealismo. Chagall creó en una amplia gama de materiales, pintura al óleo, gouache, acuarelas, esculturas de cerámica, pinturas murales y vidrieras (Mulan, 1969; Wolf, 2019). Chagall observó el mundo en lo que él mismo llamó "la luz de la libertad", que puede visualizarse en los colores del amor. Según él, es posible transformar todo en la pintura si se habla el lenguaje del amor (Sherway Academy Arts & Sciences, 2017). Chagall utilizó dos palabras del mundo de los vivos que le sirvieron para describir sus obras: "'bordado' como término para designar todo lo que puede hacer que la pintura sea carne viva en términos de color, luz y materia. 'Química' se refiere a la misma cuestión, pero no a la colección terminada de las diminutas estructuras sino al proceso de su creación" (Mulan, 1969, p. 25). Es decir, Chagall trataba el proceso creativo como parte integral del producto artístico. Chagall expresó una gran variedad de temas en sus obras, pintó lo que vio y lo que soñó (Chagall, 1951), pero el tema del matrimonio nunca abandonó su ámbito de preocupación.

Análisis de un conjunto de obras seleccionadas. Entre las muchas obras del artista, elegimos diez obras, entre las cuales encontré una conexión y una secuencia que podría expresar la historia de la vida de Chagall, en el aspecto de su concepto de pareja. Según el enfoque fenomenológico, a través de la investigación del "es" en el presente, es posible conceptualizar las características de la obra que se entrelazan en la forma en que fue creada, con la estructura y forma de la experiencia subjetiva, desprendiéndose de ello. luz sobre la historia de vida del creador (Betansky, 1995). A partir de la observación fenomenológica del conjunto de obras seleccionadas, integraré la forma en que el artista se relaciona con su obra, junto con una conexión con su entorno.

Chagall creó colores ricos utilizando una paleta de colores limitada en la mayoría de sus obras. Entre sus primeras pinturas se puede encontrar el predominio del color verde y su color complementario rojo. Los colores complementarios se refuerzan entre sí y crean equilibrio a través de su ubicación en el espacio compositivo. Por ejemplo, en el cuadro "El Paseo" (1918), el color del vestido de la figura voladora se asocia con la casa en el verde paisaje urbano, y encuentra un equilibrio con las manchas de color rojo en la parte inferior izquierda de la composición (cuadro 1). Chagall escribió sobre su afición por el color morado (1951, p. 39), en este color describe el vestido de Bella, como se puede identificar según su escrito: "Ella vuela desde lejos sobre mi tela" (1951, p. 74). Asimismo, el mismo equilibrio se creó en el uso de estos colores en el cuadro “La ventana al campo” (1915); Las dos manchas de color rojo en la parte inferior de la composición, en relación con la sombra de los rostros de las figuras de la parte inferior izquierda, que consiste en mezclar estos dos colores, frente al paisaje verde que ocupa la mayor parte del sustrato de la obra. (dibujo 2).

El punto de inflexión se nota en sus primeras pinturas, pero es difícil de encontrar. Como por ejemplo en el cuadro 2, Chagall aplica una perspectiva combinada con un punto de fuga arriba y otro a la izquierda, y ambos están ubicados muy fuera de los límites de la composición. Esta presentación del espacio transmite una sensación de optimismo y de que el mundo está abierto para ambos, como también se siente a través de la descripción del telón levantado en este cuadro, junto con el minimalismo del marco de la ventana que acerca la vista a sus el espacio personal y la unidad de los personajes con el fondo en color. Sus pinturas representan la conexión humana como parte o continuación de la naturaleza misma. Una descripción que expresa su percepción sobre la importancia de que el artista esté en armonía con la naturaleza (Mulan, 1969, p. 27).

En la mayoría de sus cuadros, Chagall presenta su autorretrato. Pero en el cuadro "Bella e Ida junto a la ventana" (1916) no aparece Chagall, sino sólo Bella e Ida, su hija. Comparado con otros cuadros de la misma época, este cuadro es oscuro y vacío de objetos en su mayor parte. El eje superior de la ventana se muestra en diagonal respecto al eje inferior y al eje horizontal del perchero, lo que crea una sensación de vértigo, que encuentra un equilibrio con el volumen de las figuras, reunidas a la izquierda en Bella. mirada hacia Ida, mientras ésta mira hacia el espacio de la habitación, en esta forma de organizar la composición, además de ocultar el punto de fuga en el eje vertical de la ventana, el descontrol y la certeza que sentía el creador (dibujo 3) . Chagall escribió sobre la dificultad que sintió en el nacimiento de su casa: "¡Vergüenza! Esperaba un hijo y aquí tengo una hija. Y por la noche, chillidos y gritos por nada. Te tiré enojado sobre la cama. que no te comas los gritos de los bebés. ¡Terrible y terrible!” (1951, p. 92)
En la secuencia de la serie de pinturas de esos años, un año después, Chagall presenta a Bella, en el cuadro "Bella con cuello blanco" (1917), como 'más grande que la vida' a la luz del tamaño de su figura, lo que refuerza su importancia. Con la mano de Bella apuntando, Chagall se presenta junto con Ida, como pequeños en la parte inferior de la composición, contra una base tonal azul y blanca similar al fondo que rodea a Bella.

La cabeza de su figura está pintada de verde, como continuación de la naturaleza verde que tiene encima, mientras que el vestido de Ida está pintado de rojo, como punto que crea el conjunto (dibujo 4). Parece que la descripción de la naturaleza, en Chagall, a menudo se expresa a través del uso concreto del color, y la expresión de relaciones a través del uso abstracto del color.

Chagall también describió la figura de Bella como grande en el cuadro anterior "El cumpleaños" (1915), cuando él mismo aparece flotando, en una posición corporal flexible y fluida, besando a Bella, quien le da la sensación de seguridad y lo levanta. , en el contexto de la difuminación de la línea horizontal de la esquina de la habitación debajo de él, junto a la estabilidad de la línea clara debajo de ella (Figura 5). Como continuación del tema del vuelo, en el cuadro 1, se ve a Bella llamándolo a volar, con ambos representados en primer plano sobre un fondo de ciudad con formas geométricas.

Chagall combina una rica variedad de líneas en la composición, algunas claras y nítidas y otras borrosas y extendidas, algunas son continuas y otras fragmentadas, algunas fluyen y otras son geométricas nítidas. Aunque la variedad de líneas se puede encontrar en cada obra, sus primeras obras se caracterizan por formas geométricas, líneas claras y angulosas, siendo el color la que define la forma. Por ejemplo, la descripción de los árboles en el dibujo 2, y los elementos de toda la obra en el dibujo 3. El uso de líneas redondeadas junto con líneas angulares, por un lado, crean una sensación de movimiento, y por otro, imponer estática y estancamiento. Como se puede ver en la descripción del telón en el centro de la composición del cuadro 2. Esta manera da la sensación de que Chagall está expresando el deseo de dejar el tiempo en su lugar, y la mera conmemoración de este momento, junto a Bella, puede dan testimonio de su importancia en el mundo de Chagall.

Con el paso de los años, Chagall renunció a la estética cubista y reflexionó sobre la realidad del espacio pictórico que no es lo mismo que la realidad visible (Mulan, 1969). Chagall habló de otra dimensión, más abstracta, de ser libre y liberado: "El arte me parece un estado de ánimo más que cualquier otra cosa" (Mulan, 1969, p. 50).

En el contexto del traslado a París y más tarde a Nueva York debido a la escalada de la guerra, sus pinturas posteriores se vuelven más oscuras, con muchas capas de color y una línea más fluida y expresiva. Parece que pinta el lienzo de negro, y de él surgen imágenes coloreadas, dispersas en el espacio, sin perspectiva, lo que da la sensación de un sueño envuelto en los recuerdos de su vida, como también dijo; "Mi vida está toda identificada con mi creatividad" (Mulan, 1969, p. 34). Por ejemplo, el fondo negro del cuadro "La hora entre el lobo y el perro (entre la oscuridad y la luz)" (1938-43), del que emerge una imagen de una calle nevada con un trineo tirado por un caballo, cuyo marco permanece negro. , que puede expresar su añoranza y sus recuerdos de Rusia (cuadro 6).

En el cuadro "La novia con la cara azul", la elasticidad de la posición del cuerpo de la figura masculina recuerda a la del cuadro 5, pero el cuerpo no está definido y parece ser una continuación del cuerpo de la novia (cuadro 7). Parece que Chagall los veía como uno solo, en el contexto de su judaísmo, como está escrito en la Torá: "Y se convirtieron en una sola carne" (Génesis 6, XNUMX). De manera similar, en el cuadro XNUMX, Chagall muestra su retrato unido por la cabeza a la de Bela, lo que da una sensación de igualdad en la relación entre ellos, cuando a veces él está conectado con ella y otras veces ella con él.

En el 44, Bella murió y Chagall expresó su añoranza por ella en el cuadro "Ramo de amantes voladores" (1947). Sus colores se volvieron aún más oscuros, con grabados sobre capas de pintura. En la parte superior de la composición, se representa a Bella flotando en el espacio, mientras él le besa la cabeza. En el centro se muestra un gran ramo de flores de colores complementarios, verde y rojo (dibujo 8). En el 52, Chagall se casó con Vave y le dedicó el cuadro "Para Vave" (1955). La descripción del caballo de la izquierda, en la posición de la cabeza con los dientes al descubierto y el ojo abierto, transmite una sensación de sufrimiento. Después de la muerte de su padre, Chagall escribió sobre la sonrisa de su padre, cuyos dientes brillantes le recordaban "los dientes de un gato, los dientes de una vaca, sólo dientes" (1951, p. 10). Es posible vincular la descripción del caballo al recuerdo de su padre, junto con el recuerdo de Bella, que se puede identificar en la figura de Eva, a la luz del mismo ángulo y la posición de la cabeza de manera que representó su retrato en el cuadro 4, y de la misma manera la descripción de las flores y la forma en que la figura las sostiene en el cuadro 7. A la derecha, Chagall presenta Su autorretrato de perfil con la cabeza inclinada está grabado sobre un sustrato negro. , que parece envuelta en luto (fig. 9). Es posible, a la luz de estas conexiones, que Chagall encontrara el personaje de Bella en la nueva relación con Eva.

El conjunto de obras muestra un período de 42 años en la vida de Chagall, desde los 28 hasta los 70 años. El primer cuadro es del año en que se casó con Bella, y el último cuadro parece cerrar la historia de amor entre ellos, en la expresión de luto por su muerte. En este cuadro, "Los artistas callejeros" (1957), se muestran figuras oscuras que emergen del sustrato negro, sosteniendo instrumentos musicales con una mirada melancólica que se siente en sus ojos huecos. La música tranquila y lenta se siente a través de la carga de color en muchas capas, con breves grabados para caracterizar parcialmente los contornos de las figuras. Hay cinco manchas blancas de color (los rostros de dos figuras, el violín partido en dos y la mano de la figura), siendo una de ellas parcialmente azulada (cuadro 10), similar a las cinco manchas blancas de color que representan las flores de la figura. está sosteniendo en el cuadro 9. Este cuadro se percibe como un réquiem por la memoria de Bella.

Comparando este último cuadro con el primero, parece que les invita un mundo optimista, el mundo es representado como cruel y aterrador. De una pintura bastante realista y precisa, sus pinturas se volvieron surrealistas y expresivas. Sin embargo, en el camino parece que Chagall mantuvo las mismas tonalidades de colores, que utilizó de diferentes maneras para expresar sus vivencias en sus obras; "La historia se revela sobre el lienzo, en un espectáculo de colores" (Chagall, 1951, pp. 71-72).

Conectando el proceso creativo y la autobiografía con el modelo ETC en arteterapia. En las obras de Marc Chagall se puede ver una conexión con los elementos del modelo Continuum de Terapias Expresivas (ETC), que explica la forma en que el creador procesa la información durante la interacción con los materiales artísticos, a través de cuatro niveles de procesamiento de la información. cuando la división es arbitraria, y de hecho muchas veces existen al mismo tiempo, cuando no pueden separarse. Cada nivel en el ETC oscila entre dos polos, entre la función del cerebro derecho y la función del cerebro izquierdo (Hinz, 2015). Las principales funciones del lóbulo izquierdo están involucradas en procesos analíticos y continuos, mientras que el lóbulo derecho opera de manera espacial, paralela y sincrónica (Lusebrink, 2004). En esta sección presentaré la manera en que los cuatro niveles de procesamiento de la información se manifiestan a partir de la observación fenomenológica y simbólica de las obras de Chagall.
Chagall utilizó una amplia variedad de materiales, pero en el conjunto de obras elegidas para este trabajo, la mayoría de las obras fueron realizadas con pinturas al óleo sobre lienzo con la mediación de un pincel, con la excepción de una obra en medio de gouache (dibujo 9). Estas dos sustancias pertenecen a las sustancias húmedas, que permiten una nueva regulación del desarrollo (Harpaz, 2007). Además, trabajar con estos materiales implica acciones repetitivas, por ejemplo mojar el pincel en trementina y aceite, coger pintura de una paleta y limpiar con un paño. Este tipo de ritual es para el creador un ancla para encontrar un ritmo interior y, a partir de ahí, para un trabajo emocional más profundo (Orbach y Galkin, 1997).

Sus primeras obras se caracterizan por una delicada capa de pintura, en parte transparente y mayoritariamente opaca, aplicando color y difuminándolo, junto con movimientos cortos y precisos, que crean líneas claras y continuas. De esta forma de crear, es posible que el creador se sienta arraigado y en control del cuerpo, que expresa el primer nivel de la ETC, el movimiento y el sentimiento (Hinz, 2015). Sus obras posteriores se caracterizan por movimientos más rápidos, esparcir la pintura con los bordes del pincel, aplicar pintura cruda en muchas capas y grabados que dejan al descubierto el sustrato. Lo que es posible en esta forma de utilizar sustancias, en este nivel de la CTE, son las expresiones de los sentimientos profundos y la capacidad de reevaluarlos (Hinz, 2015).

El procesamiento de la información en el segundo nivel abarca desde la expresión emocional hasta la expresión perceptiva, las cuales son posibles mediante el uso de elementos formales (Hinz, 2015). En la mayoría de sus primeras obras se puede encontrar una composición equilibrada gracias a la aceptación de elementos coloreados en el espacio creativo. Además, el uso de colores complementarios, definiendo el color la forma. Todo ello permite al creador identificar sus sentimientos de forma segura. Además, la presentación de su autorretrato en tercera persona en sus obras, permite la organización y regulación interna y externa a través de la capacidad de observar de lado (Hinz, 2015). En el cuadro 3, en el que Chagall no aparece personalmente, las figuras están representadas con contornos más claros que la descripción de las imágenes en sus otras obras de la misma época. Definir los límites de la forma permite la definición de la experiencia y, por tanto, una sensación de control sobre la experiencia para el creador (Hinz, 2015). Sus obras posteriores se vuelven más oscuras y las imágenes pierden su forma clara, lo que da una sensación de dificultad para contener el resentimiento hacia el creador. Junto a esto, parece que se utiliza el color negro como base sobre la que se pueden transmitir las expresiones emocionales, junto con el uso del grabado, que puede expresar la liberación de estas emociones.

A nivel cognitivo-simbólico existe un procesamiento complejo de la información, que posibilita el crecimiento interior desde la búsqueda de significado personal a través de la comprensión de símbolos y valores universales (Hinz, 2015). Mediante el uso de representaciones simbólicas, Chagall describe su asociación con Bella, al comienzo de su viaje, de una manera íntima y unificada, junto con la amplificación de la grandeza y la belleza de la naturaleza. Como puedes ver en la imagen 2, sus cabezas una encima de la otra crean una aspiración hacia arriba e incluso crean una asociación de tronco de árbol. En su paisaje, los árboles parecen unirse entre sí e incluso crecer en demanda de relación. La pareja de frutos rojos y la propia presencia de la vajilla en el espacio privado del interior de la casa parecen no sólo expresar la necesidad existencial y los medios necesarios en nuestra vida, sino también enfatizar su asociación como fuente espiritual que nutre su alma como alimento para el cuerpo. Además, un par de placas una encima de la otra, con la superior invertida y cerrándose sobre la inferior, fortalecen la pareja y le dan una sensación de unificación en una sola unidad.

En sus pinturas posteriores, en el contexto de la guerra, en las transiciones forzadas a países más protegidos, Chagall presenta muchas imágenes esparcidas por el espacio creativo. En el cuadro 6 y en el cuadro 7 se pueden encontrar imágenes de sus recuerdos de su vida en su tierra natal (Mulan, 1969). La creación de este tipo de collage, en la forma en que se seleccionan y disponen las imágenes en el espacio compositivo, crea un significado personal para el creador, que estimula los procesos cognitivos y desarrolla la capacidad de organizarse y funcionar superiormente (Hinz, 2015). Chagall escribió que "mis colores se estaban volviendo azules de terror" (1951, p. 37), lo que podría ser una imagen simbólica a través del color en su significado personal para él, en la representación de la figura de Bella junto a él, flotando en un fondo azul. espacio, en el cuadro 8, tras su muerte. El cuadro 10, el último del conjunto de obras, muestra figuras enmascaradas, que pueden expresar un autorretrato simbólico, y así ser un paralelo con las partes que el creador ignoró en el pasado, lo que le permite vivir con ambivalencia y ambigüedad. en su vida, encontrando así sentido a la dificultad y al dolor (Hinz, 2015).

La conexión del contenido simbólico a partir del procesamiento de la información visual y sensorial crea un cambio en las operaciones cerebrales del creador. Además, los procesos de creación y los productos permiten implícitamente la creación de un sistema de compromiso renovado (Hass-Cohen, 2016). Dentro de un espacio relacional seguro, la experiencia sensorial regulada, la expresión emocional auténtica y la activación de recuerdos pasados ​​son posibles (Czamanski-Cohen & Weihs, 2016). Parece que Chagall pudo superar la muerte de su amante Bella y formó una nueva relación; "Mis preocupaciones desaparecen una a una cuando Eva está conmigo" (Mulan, 1969, p. 72). A la luz de sus escritos y de los cambios que se produjeron en el desarrollo de su expresión artística, parece que Chagall pudo desarrollar intuiciones, crear integración y moverse entre todos los niveles según la ETC, que expresan el nivel creativo en la ETC. modelo (Hinz, 2015).

Resumen. El artista Marc Chagall creó en una época en la que florecía el arte moderno. Junto con todos los elementos visuales de los diferentes estilos artísticos, Chagall expresó a través de colores e imágenes, el contenido emocional y su percepción de la vida. A partir de la observación de sus cientos de obras y centrándonos en un conjunto seleccionado de obras de esta obra, se percibe que para Chagall el arte era un lugar central en su vida, donde podía expresar sus sentimientos y a través de él contener sus experiencias, en en relación con los acontecimientos de su vida personal y también en relación con la dura realidad que afectó a la mayor parte de la humanidad durante este período de guerra.

Los cambios que se produjeron en los procesos creativos de Chagall reflejan el proceso de su desarrollo mental. En su juventud, sus pinturas están ejecutadas con mano precisa, en una capa clara y brillante, junto con una organización más calculada del espacio compositivo. Chagall escribió su autobiografía, cuando tenía 35 años, expresando en sus palabras una conexión auténtica y honesta consigo mismo. Parece que el mundo se le presenta abierto, como también se siente en sus primeros cuadros como un mundo optimista que lo invita a reunirse con su esposa Bella. Sus pinturas posteriores, comenzaron a llenarse de muchas imágenes diferentes, acumularon diferentes y más oscuras capas de colores. En su vida adulta, Chagall experimentó la separación de su tierra natal y de su primera esposa, su vida acumuló diferentes capítulos de su historia, los cuales se reflejan en las diferentes capas de sus pinturas. Posteriormente se añadió un grabado que revela el color original del sustrato bajo las numerosas capas de pintura. Chagall escribió un poema sobre la patria que lleva en su corazón, que es su única patria (el poema está escrito al final del post). A pesar de las tragedias de su vida, parece haber logrado mantener una conexión interna con su yo auténtico.

Aunque mucho se habló en nuestra clase sobre la importancia de la escritura reflexiva desde la experiencia, la importancia de las palabras se agudizó para mí, desde crear la conexión entre el análisis fenomenológico, y los escritos y palabras de Chagall, citados por otros, hasta las teorías en el campo de la Terapia artística. Las palabras, conectadas con los colores, las formas y las relaciones entre ellos, pueden crear una secuencia en una historia más comprensible de la vida del artista.
De mi conocimiento de las obras de Marc Chagall, decidimos filtrar las obras que contienen imágenes y escenas judías de la Biblia y del Nuevo Testamento, porque no quería entrar en el tema religioso, como Chagall también aclaró sobre este tema: "Soy un místico. No voy a la sinagoga ni a la iglesia. Mi creatividad es mi oración” (Mulan, 1969, p. 178).

Al crear una línea de tiempo con momentos significativos de la vida de Chagall, se destacó la relación entre él y Bella, su primera esposa. También es posible que nuestra elección de relación matrimonial entre los dos esté influenciada por nuestra relación familiar con Bella, quien es prima de nuestro abuelo paterno, Alexander Cherkov. Hemos encontrado una conexión con nosotros mismos en todo lo relacionado con el foco del amor, que establece la fuerza benévola para la creación de vida; "Si creo desde mi corazón, todo sale maravillosamente, y si desde mi mente, no sale nada" (Mulan, 1969, p. 122).

 

Un poema de Marc Chagall

"Mi única patria

Ella es la patria en mi corazón,

Vengo a ella sin pasaporte

Como si estuviera en casa.

ella ve mi tristeza

y mi soledad,

Y ella me da sueño.

 

Había días que tenía dos cabezas,

Había días en que había dos peniques.

cubierto con un velo de amor

y derretirme en el aroma de una rosa.

 

Pero ahora se mostró como si incluso en mi retirada

siempre estoy avanzando

hacia una puerta elevada,

más allá del cual se extienden las paredes,

detrás del cual el sueño apaga el trueno

y el brillo resultante.

 

mi unica patria

Ella es la patria en mi corazón” (Mulan, 1969, p. 85).

 

bibliografía

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