El artista Edouard Manet (1832-1883), pintor francés, conocido como uno de los artistas más controvertidos de su tiempo, pasó por muchas críticas en el camino para llegar a la cima del éxito y convertirse en el padre del impresionismo. Con varias pinturas que inspiraron a los jóvenes artistas de la época, reveló cómo la innovación no siempre es bien recibida por la sociedad, sino que abre una puerta hacia el futuro.
En este período de mediados del siglo XIX no había galerías, museos, etc., el evento principal del arte era la exposición en el 'Salón'. El Salón era (y sigue siendo) la gran sala central del Palacio del Louvre, donde se realizaban exposiciones cada uno o dos años con un jurado de artistas que recibían las obras que otros querían exponer y decidían quiénes exponían o no. Esta era casi la única forma que tenía el artista de presentar y vender sus obras, por lo que la aceptación o la negativa a ser aceptado en el salón era fundamental para el artista.
"Olympia" es el nombre de la mujer. Un nombre que era muy común en Francia en el siglo XIX. Cuando este cuadro se mostró por primera vez en la sala de estar, hubo una conmoción, una crítica muy negativa. Había que evitar que la obra se rompiera. Los críticos dijeron que la expresión de la mujer era de envejecimiento prematuro, que la descomposición de su cuerpo era una reminiscencia de una morgue, que era una Venus hotentotiana (una tribu africana), otro dijo que era una prostituta que murió de ictericia y que su cuerpo estaba en un estado avanzado de descomposición, de lo contrario, la cara era tonta y no tenía forma humana. El título recurrente es el de un cuerpo podrido y sucio y que ella es una prostituta y fea.
¿De qué se trata la rabia? ¿De qué se trata el alboroto? ¿Por qué provocó una oposición tan grande? La razón principal es que no estaban al cien por cien conscientes, la pelea no surgió por consideraciones racionales, la resistencia fue porque era muy diferente a lo que sabían los críticos. Esta pintura se desvió de la tradición.
La descripción de la desnudez femenina por el artista Edouard Manet no coincide con las expectativas de la época en comparación con la descripción de la mujer en el modelo de Venus, tanto en términos del nombre de la obra como en términos de estructura corporal. Por ejemplo, en el mismo año se exhibe una pintura de Alexandra Cabanel. Venus es una figura mitológica. Los dibujos de mujeres desnudas se llaman Venus porque es una fantasía de mujer. Mana llamó a su pintura "Olimpia", un nombre común para las mujeres en el siglo XIX, hasta cierto punto un nombre común para las prostitutas. El modelo según el cual Mana pintó fue una mujer muy conocida, quien le sirvió de modelo en algunos cuadros y también para otros artistas. La estructura del cuerpo de Olympia también era diferente porque era más delgada en comparación con el cuerpo completo en la figura de Venus.
Otro ejemplo de la creación de una mujer desnuda acostada desde que fue aceptada como obra maestra es el de Venus. Aquí también la mujer está más llena. Expone su axila y educa sus piernas.
En la pintura de Angers, la Odelisca, la esposa del harén, es una mujer que no es de carne y hueso, sino una fantasía. La fantasía del harén (el harén es un ala del palacio utilizada para albergar a las esposas y concubinas del rey). También en esta pintura la piel es suave y se presta la máxima atención a todas las texturas de Angers. Angers mantuvo una belleza ideal. La belleza de una mujer está de acuerdo con el canon de lo que es una mujer hermosa. Una mujer hermosa en el siglo XIX es una mujer con un puente nasal recto (en línea recta con la frente) y una cara ovalada. Por el contrario, "Olympia" no cumple con estos requisitos de belleza.
En cuanto a la relación entre el fondo (sustrato) y la figura, en Angers el Odelisk toca los bordes de la tela, llena toda la tela, mientras que en Mana, Olympia es pequeña en relación al tamaño del sustrato.
La figura de Venus en Tiziano, la posición del cuerpo es más cercana a la de Olimpia. Ella descansa sobre su brazo con las piernas cruzadas. Vemos en Tiziano nuevamente la costumbre de que la mujer llene todo el paño. La luz es suave, amarillenta agradable, las transiciones entre la oscuridad y la luz, la transición es suave y gradual. Hay varios planos para pintar. El primero donde yace, el segundo cuarto que se abre al revés y el tercero, más allá de la ventana. En Mana, por otro lado, la transición entre la oscuridad y la luz no es gradual. Ella realmente se ve atascada y parece un cuerpo rígido y quieto (no solo dice su cuerpo). Mana no tiene llanuras, hay un muro detrás. Por un lado, Olimpia está en la posición habitual y, de hecho, Mana se refirió conscientemente a la pintura de Tiziano. Esta pintura estaba ante sus ojos, pero Olimpia es más pequeña y se pierde en el lienzo, en comparación con las pinturas a las que estaban acostumbrados. La posición de la cabeza de Olympin es erguida en comparación con la inclinación lateral que le resultaba familiar. La mano de Venus que invita implica que disfruta y quiere que vengas. La mano de Olympia significa que solo está lista si le pagan.
Cambios respecto a lo habitual en el período:
♦ Tamaño de la figura
♦ Transiciones agudas
♦ Luz fuerte que también viene del frente (en la pintura occidental durante 500 años se acostumbraba que la luz viniera desde arriba a la izquierda).
♦ Muy amputado, tiene un cordón alrededor del cuello que lo interrumpe. El cuerpo está incompleto.
♦ Hay un contorno oscuro.
♦ Acostado en una cama mucho más alto de lo habitual.
Las personas que visitaban el salón eran personas que conocían el arte, les molestaba que la mujer no fuera una mujer de fantasía sino una prostituta. Una mujer conocida que fue conocida en el mundo del arte de finales del siglo XIX. Además, la cuestión de la clase: ¿a qué clase pertenece? Por un lado es prostituta, por otro lado tiene sirvienta. Entonces, ¿cuál es su posición en la escala social? Donde ella se para incluso en la escalera de las prostitutas. Si las suelas de sus zapatos están sucias, probablemente camina por la calle y vende su cuerpo en la calle, esa prostituta no tiene sirvienta. La ambigüedad de la clase, la posibilidad de que esta mujer no sea una persona de buen corazón que venda su cuerpo porque se vio obligada a hacerlo por motivos sociales.
El auge del comercio, de la sociedad urbana, de la economía de mercado. Si a los visitantes solo les molestaran los cambios de forma, dirían que la pintura simplemente no es buena. Pero estaban en el mercado, la rabia la provocaban las cosas sociales: la clase, la prostituta, la economía de mercado, la prostitución era un problema grave en el París de finales del siglo XIX. Quería encontrar formas de saber si una mujer tenía una relación con uno o diez hombres (los pensadores de esta idea eran hombres).
El interés social fue tan perturbador que el escritor Emil Zola, un amigo de Mana que escribió y publicó en 1867 un libro titulado La obra y Zola escribe sobre Mana como el artista importante de finales del siglo XIX y escribe que para Mana el tema no es importante. Ignora el hecho de que esto es Olimpia y no Venus. Dijo que los pintores y especialmente Mana no comparten la obsesión de las masas por el tema. Para el artista, el tema no es importante. Lo importante para el artista es la pintura en sí.
"Los pintores, y especialmente Édouard Manet ... no comparten la obsesión de las masas por el tema: para ellos, el tema es solo un pretexto para pintar, mientras que para las masas solo existe el sujeto".
- Émile Zola, 1867
Dos cosas básicas:
1. De hecho, la forma de la pintura es tan conspicua, la novedad de la forma de pintar es tan importante y basada en principios que desvía la atención del tema.
2. La percepción, la idea de que el arte moderno a partir de Mana se trata de sí mismo (como dijo Zola sobre la pintura de Mana) no se trata de un problema social, El arte moderno es arte autónomo.
En el arte siempre hay un tema. El artista dice algo. En este caso para Mana el cambio muy significativo es un cambio de forma que ha desviado la atención del tema. No hay arte que no tenga sentido.
Otro trabajo conocido del artista Edouard Mane es "A Meal on the Grass":
Esta pintura también causó revuelo. La mujer del cuadro nos mira directamente. También en este caso, como en Olympia, Mana se refiere al arte que tiene ante sí. Mana se refiere al arte que lo precedió en términos de composición y poses.
Inmediatamente quedó claro que la organización de los personajes fue tomada de este pasaje por un artista del Renacimiento que hizo una impresión basada en la pintura de Rafael (abajo a la derecha).
Aquí también hay mujeres desnudas pero no nos miran directamente. Además la luz es diferente, la suave luz de Tiziano versus el resplandor de Mana. En Tiziano, la fuente de luz está en la parte superior izquierda. Y en el cuadro de Mana, la luz proviene de la parte superior izquierda pero también del frente. La figura de la espalda está sobredimensionada y la luz está dirigida hacia ella.
¿Qué significa la luz en primer plano? Nuestra visión de Olimpia está dirigida a nosotros, somos nosotros los que nos presentamos sin ser invitados. Esto también sucede con una comida en la hierba. Mana se desvía y cambia la relación entre el espectador y la imagen. Cuando Mana presenta la comida en el césped, otro argumento en su contra es que no tiene imaginación y que toma obras del museo y copia su composición.
Lo que enfureció a los críticos fue la desviación de Mana de la tradición pictórica. El hecho de que el modelo de Mana (el mismo modelo que lo usó en Olympia) mira al espectador. Los valores de la pintura como pintura: no es una piel delicada y suave, sino una luz dura que no proviene de una sola fuente, sino tanto de la izquierda como del frente. Además, la relación entre los personajes es incorrecta en términos de pintura convencional. El dibujo debe ser de dos y medio en los ejes X e Y para que el pintor pueda encontrar la posición de cada figura en relación con la otra. En esta pintura, usaron una herramienta: pintar baldosas en el piso. Los azulejos que son dos y medio ayudaron a colocar las figuras una en relación con la otra. La figura de la derecha con la túnica naranja es la más grande, porque es la más cercana a nosotros. El espectador es la escala.
En esta pintura, el sustrato se ha ido. El pintor nos da la ilusión de un espacio profundo de una catedral. Puede ver los tamaños de las páginas, cómo se hacen más pequeñas a medida que se alejan. Esta fue la convención de la pintura del siglo XV. Una pintura en la que el sustrato supuestamente ya no existe y la relación de aspecto, y la cuestión del color, el color también se vuelve fuerte y la intensidad disminuye (en el primer plano) a medida que la escena se aleja, el color se vuelve menos fuerte.
En Jacques Louis David las figuras son pequeñas a medida que se alejan, y hay tanto una copa como una velada en el suelo. La chimenea en el primer plano es más grande que la chimenea en el plano posterior. Y el grupo de mujeres de la derecha: las mujeres del frente son más grandes que las de atrás. Para Mana, la figura de la espalda debería haber sido más grande, no está tan lejos de ellos. En David, la luz proviene de un punto en la parte superior izquierda. Y se acerca solo levemente a la otra mujer, con el manto oscuro. La luz proviene de una fuente en comparación con la pintura de Mana.
La pintura de David se basa en texto. Cada pintura, excepto un paisaje o una pintura de naturaleza muerta, se basaba en texto, es decir, una historia que existía de antemano y era conocida por el público en general. Había una jerarquía de textos de lo que era más importante y lo que era menos importante.
1. Sagrados escritos
2. Mitología
3. Historia
4. La literatura
5. Retratos
6. Naturaleza, paisaje
7. inanimado
8. Animales (no dibujes animales)
Si es así, una jerarquía constante de sujetos. Todas las pinturas e incluso cuando la pintura está quieta, la pintura se convierte en algún tipo de significado. Los objetos que dibujaron vinieron a enseñar algo. En este caso, David pinta una historia histórica de la historia de la antigua Roma. Tiene un mensaje didáctico educativo. La antigua Roma estaba en guerra con Alba. La disputa era por el territorio y la gente de Roma y Alba decidieron que en lugar de que todos pelearan, irían tres hermanos de Roma, los hijos de Horacio. Y Malba, los tres hijos de los lectores. Y los tres lucharán y los tres se acercarán, en lugar de que se derrame mucha sangre. David describe el momento en que los hijos de Horacio juran lealtad a su padre y, por tanto, a Roma. Son leales a su padre, a su patria, obedecen a su padre y protegen la patria. David educa la obediencia, la devoción y el autosacrificio. Un tema didáctico, ciertamente para David en ese momento: las mujeres, llorando.
La pintura de Mana se basa en cierta medida en la pintura de Francisco Goya. El porche y las mujeres en el porche tienen el mismo tema.
Mana tiene transiciones muy marcadas entre la luz y la oscuridad. En Goya, las transiciones son muy graduales. En ambas pinturas, las figuras se encuentran al otro lado de la barandilla. En Goya la barandilla es el color de todo el cuadro y no llama la atención. Para Mana es el verde que divide la imagen casi por la mitad. Las contraventanas verdes abiertas que enmarcan la imagen. Mana enfatiza los marcos internos enfatiza el lienzo de la pintura, el sustrato. Las líneas horizontales del balcón repiten los bordes hacia arriba y hacia abajo mientras que las varillas verticales como las contraventanas repiten los bordes verticales de la tela.
Olympia: no hay espacio profundo, detrás está la pared. No solo eso, en el centro pasa una franja de color más claro que enfatiza el ser del sustrato. La pintura de Mana se refiere al museo en dos significados del museo:
1. Dibuja según pinturas del museo. Se refiere a la tradición de pintar en composición.
2. Se refiere al museo en otro nivel que es esencial: estudiar las pinturas en el museo para ir en contra de las convenciones de la pintura.
La tradición de la pintura es contar una historia, un texto. Mana no tiene texto. La tradición de la pintura es el hecho de que el lienzo no parece existir. En la pintura del balcón y en la pintura de Olimpia enfatiza el sustrato. Destaca que es una pintura
Para Mana, es una pared en la parte posterior de la pintura que es el sustrato de la pintura. Comparado con una pintura de un no judío que tiene el mismo tema: ejecución. Goya se basa en la historia de España: la conquista de Napoleón. En 1808 fueron ejecutados los opositores a la ocupación. Goya pinta esto por la mañana entre la oscuridad y la luz con una iluminación espectacular. Todas las armas le apuntan y junto a él ya hay cuerpos y en el horizonte después de la montaña hay edificios. Mana tiene un grupo de soldados soldados cuyos rifles en realidad lloran al verdugo, está en una luz nítida y detrás de las figuras marrones, por encima de las cuales la gente mira. Cuenta una historia real. En 1968 ya existía la fotografía. Mana dibuja según las fotografías en la prensa. El modernismo comienza con la referencia al museo: la violación de las reglas que eran habituales en la pintura que se exhibe en el museo. Vemos eso en la segunda mitad del siglo XX. Una vez más hay un punto de inflexión importante y de principios en el arte occidental, una vez más habrá una referencia importante al museo. El museo donde se conservan los valores de las culturas, el arte del mundo occidental. No hay museo antes de la era moderna. Los museos comienzan a principios del siglo XIX ligeramente durante el siglo XVIII. Catalogar obras y publicar exposiciones. Y abierto al público en general. El museo es una institución importante y ocupa un lugar central en la historia del arte moderno.
Aunque Mana no dibuja textos, esto no es cien por ciento cierto. Pinta un cuadro religioso cuando pinta al Jesús muerto. Pero las mujeres notan una diferencia drástica entre la pintura de Mana y El Greco. El Greco pinta como de costumbre en las pinturas funerarias. El Conde toma el cuerpo de Cristo. Desde arriba, María, con un vestido rojo y una bata azul. A la derecha está Juan el Bautista quien lo reconoce como un contrachapado descuidado. Vea al obispo sosteniendo las llaves.
El humo es el alma del conde que recibe Jesús. Para Mana es un cuerpo, Jesús es un cuerpo en descomposición. Junto a él hay ángeles que parecen de carne y hueso. Y no solo eso, sino que Shamana se perdió y los estigmas lo dibujó a la izquierda en lugar de a la derecha. Fue reprendido pero no corrigió. Es decir, incluso en la época de Mana la muerte se presenta como un hecho. De ahí el sobrenombre de realismo. La referencia a la muerte y los ángeles de carne y hueso.
Los artistas impresionistas estaban interesados en pintar el tiempo libre. Mana también tiene música en Tulare, un jardín cerca del Louvre.
Allí hubo actuaciones musicales. Mana dibuja a todos sus amigos paseando por el jardín, vagando. Todos los hombres visten igual. Por la mañana visten pantalones ligeros y un abrigo con frac y sombrero de copa. Esta pintura está antes de Olympia. Aquí hay una pared de gente que llena todo el lienzo. Los troncos de la madera rítmica la pintura con tanta claridad y repiten en los bordes del lienzo. Las cabezas del pueblo vuelven a la horizontal de la tela. Mana se refiere al ser mismo del lienzo, al ser mismo de esta obra pintada sobre lienzo. Las figuras se cortan también aquí (como en Degas) también el borde de la sombrilla, el respaldo… una especie de instantánea. No establezcas que los personajes dibujen, sino dibuja el momento. Las pinceladas son claramente visibles. En el frente de la pintura del primer nivel se pueden ver las pinceladas ásperas. Pintado por el poeta Charles Baudelaire. Habla del vagabundo (una de las cosas importantes del siglo XIX).
Otra obra del artista Edouard Mane - "The Prom at the Opera". Trabajo posterior. Aquí hay personas que llenan todo el lado derecho del lienzo. Son paralelos solos, una especie de muro de personas. De nuevo ves columnas verticales repitiendo el borde. Y el borde del porche que repite la línea horizontal. Si fue una vez no fue posible sacar una conclusión pero así se repite una y otra vez. Lo hemos visto en ejecuciones, en Olimpia, en Tulari, en el porche, etc. Es intencional, incluso inconsciente. Mana mira su trabajo en el museo, se refiere a trabajos anteriores y quiere enfatizar la pintura en sí. Aparte de eso, nuevamente es un baile de graduación en la ópera. Otra vez amigos de Mana y como es en la ópera los pantalones son negros pero con el mismo abrigo y sombrero de copa. Hay más hombres y todos visten igual (uniforme del siglo XIX). Las mujeres tienen máscaras. También están vestidos principalmente de negro, y las mujeres coquetean con los hombres. Las mujeres de la época lo llamaban el mercado de la carne. Cuando Mana pinta a las mujeres que se pueden comprar, vuelve a referirse como en Olimpia a las clases, al intercambio, a la sociedad burguesa en ascenso donde todo es igual al dinero, incluso la mujer. Pero, por otro lado, Mana es parte del mismo público. Pinta la realidad como la ve entre sus amigos. Lo repite.
Polly Berger es un café de conciertos que tiene espectáculos. Fue muy popular en el siglo XIX y existe hasta nuestros días. Una de las atracciones fueron, por supuesto, las mujeres del espectáculo que iban muy poco vestidas. El artista Edouard Mane pinta la barra. Las mujeres que vendían en el bar también fueron capturadas como parte de la mercadería. No solo vendían bebidas, se entendía hasta cierto punto como en muchos bares hasta el día de hoy, que los anfitriones no solo vendían bebidas. Así también en este caso. Multiplicidad de líneas horizontales y verticales. Estos círculos blancos son lámparas y ya son lámparas eléctricas. Lámparas que estaban en los pilares. Hay una gran lámpara de araña que se puede suponer que todavía funciona con gas. Vemos a la vendedora parada frente al mostrador que tiene botellas, un vaso con flores, naranjas o mandarinas y más botellas. Inmediatamente detrás de la mujer se ve muy cerca de ella, hay un espejo. Vemos el marco dorado del espejo y el mostrador se refleja en el espejo. El reflejo no tiene sentido ya que la botella roja tiene la firma de mana, está escrito en la botella "Mana 19" La botella de cerveza está en línea recta con la botella de vino y en el reflejo está frente a la botella de vino. Y el espejo refleja el pasillo frente al cual está parada la vendedora. Todo esto es un reflejo de todas las personas. El vendedor se para visualmente y su reflejo es extraño. Por un lado ella se para cerca del espejo y por lo tanto no veríamos mucho de su reflejo, visualmente está de pie y en el reflejo está encorvada, se suponía que el hombre se escondía de nosotros. Mana insiste en que es una pintura y no refleja necesariamente la realidad. La pintura ya no es un fiel reflejo de la realidad, la pintura es una estructura en sí misma. Es cierto que el reflejo no tiene sentido pero no importa porque Mana no quiere dibujar exactamente. Es una pintura y en la pintura hay un lienzo, líneas horizontales que repiten los bordes del lienzo, líneas verticales. Esta es una construcción-construcción de una pintura.
